LUROA arte en canarias

2009-03-26T09:24:00.003Z

Durante estos días expone en la galería Luroa, Samuel Salcedo. Este artista catalán nos trae una colección de esculturas y pinturas que seguro no nos dejará indiferente.

La exposición se mantiene abierta hasta el próximo 26 de abril de 2009

Supermercado del Arte

2009-01-13T20:09:00.004Z

Este jueves 15 es el último día para aprovechar la oportunidad de comprar obra de más de 24 artistas a unos precios muy asequibles

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¿Ves como disfruaron el día de la inauguración?
Aprovecha es una buena oportunida

Supermercado del arte en canarias

2008-12-16T14:47:00.006Z

ALBERTO GARCÍA SALEH, publica en el periódico La Provincia el artículo Arte en tiempos de crisis , dedicado al supermercado del arte que se celebra durante estos días en nuestra isla.

Para los que aún no han comprado sus regalos navideños, que están un poco hartos de rastrear por los centros comerciales y que les gustaría sorprender con un obsequio original, nada mejor que los 'supermercados del arte', una opción que cada vez está teniendo más éxito durante estas fechas.

Si usted ya no sabe qué regalar al familiar, amigo o conocido más cercano en estas fiestas navideñas, hay un invento que ha tenido mucho éxito a nivel internacional y que en Canarias se lleva realizando desde hace poco tiempo.

Se trata del supermercado del arte, una original iniciativa que se realiza con motivo de la llegada de la Navidad y que consiste en adquirir una obra de arte de un artista consagrado sin tener que desembolsar gran cantidad de dinero, una opción diseñada con el objetivo de facilitar el acceso a las salas de arte de un público cada vez más amplio, y, a su vez, combatir la crisis que nos asuela en estos tiempos. Dicha actividad comenzó en el hotel Madrid de la capital Gran Canaria de la mano del artista plástico José Ruiz y en estos momentos la desarrollan las galerías Luroa y Cuadro.

La galería de arte Luroa, en la calle Perdomo, lo viene celebrando desde hace seis años. Desde el 19 de diciembre hasta el 12 de enero próximos, 26 artistas de distintas disciplinas venderán más de 300 obras de arte a precios de saldo con el objetivo de impulsar el coleccionismo en Canarias ofreciendo interesantes colecciones de gran valor a precios informales con artistas como Juan Betancor, Gabriel Ortuño, Tomaso Hernández y Cristina Galeote. Según Bernardo Ascanio, uno de los dos socios junto a Octavio Cardoso, los primeros años trabajaron el soporte en papel con mucha obra gráfica y fotografía, pero a partir del año pasado le dieron un giro. "Quisimos", señala, "darle más calidad, y, conservando el precio, le dimos un soporte más amplio". Este año, además, han unificado los precios para que los artistas vayan en igualdad de oportunidades ya que los cuadros se venden a 100, 150 ó 200 euros. "El porcentaje de beneficios es mínimo", señala Cardoso, "y el objetivo es que la galería tenga unos clientes fijos y que cada vez se acerque más gente por la galería".

Como ven es una buena oportunidad tanto para iniciar nuestra colección, como para realizar regalos con "Arte". No faltes

Ana Beltrá cierra el año de LUROA

2008-11-24T22:30:00.002Z

El pasado viernes 21 de noviembre, Ana Beltrás presento su obra en Luroa con la exposición "Entropía estética"

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La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 12 de diciembre de 2008, con esta exposición, la galería Luroa muestra su última exposición individual del año 2008.

Esperemos que la disfruten

Ana Beltrá
"Entropía Estética"

LUROA

del 21 de Noviembre al 12 de Diciembre de 2008.

C/ Perdomo 10, local 9 (Zona de Trina)

35002 Las Palmas de Gran Canaria

Teléfono 928381944

Tomaso presenta Bodegones

2008-10-10T18:11:00.006+01:00

Luroa Galería de Arte, comienza su 5ª temporada con una exposición de Tomaso Hernández, "DE AHORA EN MÁS" Bodegones de vídrios y fruta, donde con sutiles dibujos con carboncillo y pastel sobre papel German Etching, y tres cajas de luces crea un ambiente sobrecojedor.

Para hablar de la exposición nada mejor que un texto de Cornelia Weinrich

LA OTRA DIMENSIÓN

Tomaso Hernández lleva trabajando sobre la luz y principalmente sobre la sombra desde 1996. Sus bodegones no son bodegones de objetos sino de la sombra de esos objetos, son bodegones de sombras.
Una vez desarrollado una primera fase dentro de un proceso de investigación sobre la sombra que le llevó a trabajar sobre las sombras vegetales en el suelo (Parque del retiro, jamás expuesta hasta el momento) continuó con unas composiciones donde el estudio de las armonías de color era el principal objetivo, colores sobrios y armónicos en estructuras geométricas, expuestos en la galería Arte Periférica de Lisboa en el año 1998/99. Posteriormente una vez afianzado el proceso de elaboración de las sombras Hernández decidió ahondar en los aspectos clásicos de la pintura el bodegón, el retrato y finalmente el paisaje.

La última obra expuesta de forma individual por el artista canario en las islas, fue en el Circulo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife en el año 1997/98, pertenecía a la primera fase de investigación sobre las luces y las sombras de la serie Bodegones de vidrios y frutas. Han pasado 10 años, en los que la depuración ha sido la tónica dominante en la labor de este creador.

En la actualidad, los colores, las formas que emergen de los contrastes de luz y sombra, las líneas y ritmos que muestran sus pinturas, son el medio para alcanzar un orden natural, una armonía espontánea. A través del orden, el ser humano puede encontrar su postura ante la desconcertante pluralidad del mundo. La naturaleza misma encarna el orden cuya estructura general es el cosmos, en el que ocupamos nuestro lugar. En la obra de Tomaso Hernández, los motivos de la abstracción formal están extraídos de la naturaleza, o bien del mundo vegetal. Formas que se asemejan a sombras de contornos suaves y difuminados en los más variados matices del claroscuro, transportan al espectador a un mundo extrasensorial de la naturaleza. El artista crea, no guiándose por la naturaleza, sino como ella, convirtiéndose a su vez en el creador de un mundo dentro del cuadro. De forma parecida a Juan Sánchez Cotán, Pablo Picasso y Giorgi Morandi, en su segunda fase de producción, Tomaso Hernández elige los bodegones como tema de su pintura, casi como recurso para hacer visible la percepción inconsciente. Aquí, la abstracción formal y el objeto figurativo se unen en una incomparable interpretación de espacio y perspectiva, donde sombras y contornos abstractos sirven de fondo al motivo del bodegón que aparece en primer plano, o bien crean en forma de ingenioso juego cromático una conexión perspectiva apenas perceptible para el ojo del espectador con el objeto pintado de forma realista. Tomaso Hernández es un maestro de la creación del espacio en la pintura, dada su soberbia capacidad de poner “límites” a la tradicional perspectiva central del espacio pictórico, de eliminarla, para crear nuevas dimensiones con sus propios recursos artísticos. A menudo, el efecto de profundidad de un plano reducido a línea curviforme se ve truncado por una pared o fondo paralelo a la superficie del cuadro situado inmediatamente detrás. La luz modela los objetos sólo en lo que sugiere la idea de un volumen palpable, manteniéndose no obstante la unidad de la forma. Se genera un ejercicio de equilibrio para conjugar elementos de superficie con volumen y espacio. Sin embargo, y a diferencia por ej. de los dibujos de Francis Bacon, no existe distancia entre el espectador y el espacio pictórico. En las obras de Tomaso Hernández, los espacios ocultos se hacen visibles por su transparencia, involucrando al espectador en el acontecimiento pictórico. Los motivos de los bodegones parecen proyecciones míticas de nuestras estructuras internas. Aunque las líneas y los contornos se suavizan llegando a desaparecer cada vez más, el lenguaje pictórico mantiene su vitalidad por el vigor elemental de sus formas y colores. La materia cromática de los bodegones de Tomaso Hernández adquiere un valor casi corpóreo. El interés principal que el mundo visible suscita en el artista se centra en el espacio, el cual se trata de redefinir con ayuda de luz, colores y formas.

Los dibujos al carboncillo de la actual línea de creación del artista se presentan narrativos y sugerentes. Los motivos muestran jarrones y recipientes de cristal que ya no aparecen como meros objetos, sino a los que el pintor parece haber dado alma, convirtiéndolos en seres vivos. Aquí las figuras no son humanas o de seres fantásticos que tienen algo que narrar, sino recipientes de apariencia frágil. Al igual que en sus cuadros de gran formato, el artista eligió los bodegones como tema de estos dibujos de mediano y gran formato, concentrándose en el valor del claroscuro que al limitarse aquí al blanco y negro con toques de color, adquiere mayor peso subrayando su impacto en la ambivalencia de la forma positiva y negativa.

Tomaso en estos 10 años ha expuesto en Lisboa, Madrid, Barcelona, Málaga, San Sebastián. Ha participado en las Ferias de ARCO y ESTAMPA. Ha continuado con sus investigaciones dentro de las artes gráficas ha sido seleccionado por Arteleku en San Sebastian, la Fundación Miró de Mallorca. Siendo finalista del certamen de obra gráfica para jóvenes creadores organizado por la Calcografía Nacional y es el único artista canario becado por el gobierno francés con la prestigiosa beca de la Casa de Velázquez. Un camino serio, riguroso y en silencio, entre la luz y la sombra.

Text de Cornelia Weinrich.

La exposición permanece abierta hasta el 16 de Octubre de 2008, posteriormente, parte de estos trabajos junto con nuevas obras se expondran en Hannover, en el Consulado General de España y el 30 de Octubre junto con obras de otros artístas de la galería Luroa, participará en la Feria Internacional de Arte BERLINER LISTE.

Es una exposición que no debes perderte.

Feliz Cumpleaños de José RUIZ RUIZ

2008-04-27T19:14:00.005+01:00

Con el título Feliz Cumpleaños el artista inauguró una nueva exposición el pasado viernes. Esta exposición se mostró anteriormente en la nueva galería del Parque Gracía Sanabria en Santa Cruz de Tenerife.

Para orientarnos sobre lo que nos espera les adjuntamos el texto del catálogo:

Dijo algún listo de turno "familiarizado" con los museos que: - el lenguaje de la pintura no es otra cosa que recetas de cocina más o menos bien aplicadas.

Aquí tenemos pues, 365 recetas de pasteles donde por un lado se toma este acto del "nacer" como hilo conductor al único hecho común de todos los humanos. Y por otra parte, es una "dulce" ironía al mundo del arte del siglo XXI, donde abundan las críticas pedantes y convencionales que muchas veces, al igual que el dulce, de tan vacías simulan objetividad.

Cumpleaños Feliz, es una conversación de 365 cuadros donde el autor, con plena conciencia creativa y profundo amor al tema, reflexiona con el tiempo y el espacio, mediante una instalación donde se mezcla trazos, dibujos, ordenador, impresión, fotografía o pintura, acompañado por una gran dosis de objetividad.

¿Realidad o ficción?, ¿Pastelería o Sala de Arte?. Este es el reto, comprar arte como si se compraran pasteles, - ¡Qué gran idea!, al fin y al cabo eso es mejor, pues causa disfrute y no engorda.

Mónica Acosta

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 19 de mayo

Brasil en Luroa, publica Canarias7

2008-02-28T22:06:00.003Z

El pasado sabado, 23 de febrero Canarias 7, publicaba en sus sección de cultura una entrevista realiza al artista brasileño, Élon Brasil, con motrivo de la inauguración de su exposición en la galería Luroa. Reproducimos su contenido:

ÉLON BRASIL LLEVA A LUROA LAS TRIBUS DEL AMAZONAS

EL ARTISTA EXHIBE 17 OBRAS EN LAS QUE RETRATA A INDÍGENAS DE LA REGIÓN XINGU

Élon Brasil exhibe su obra por primera vez en España. Sus piezas, que han cautivado a varias estrellas de Hollywood, se muestran en la galería Luroa. Este brasileño pinta con sus manos los rostros de los indígenas de cuatro tribus remotas de la selva amazónica, un paraíso que visita todos los años.

La galería Luroa de la capital gran canaria invita, hasta el próximo 14 de marzo, a adentrarse en las profundidades de la selva amazónica y mirar a los ojos a sus pobladores. En concreto, son 17 las ventanas que se abren a estos paraísos perdidos de la mano del pintor Élon Brasil (1957, Niteroi. Río de Janeiro).

Sus cuadros intentan reflejar la energía vital y la pureza de los niños nacidos en las tribus más aisladas de la región Xingu. «Son personas alegres, felices, que no conocen nada del egoísmo del ser humano civilizado. Cantan, danzan, viven de lo que les da la naturaleza. No les falta de nada. Ellos no lo saben, pero para. mi es el paraíso», explica el arítísta recién llegado de Sao Paulo, que visita todos los años estos poblados en julio, cuando celebran más rituales y guía a grupos reducidos.

TÉCNICA. Es difícil encontrar pinceladas en sus coloristas y emocionantes retratos llenos de texturas. Brasil - como se apellida el artista- aplica al lienzo telas de saco de café o azúcar empastadas con resina, pinta al óleo con las manos, ilumina las zonas lijando la pintura y, por último, perfila las formas con trazos realizados con el pincel.

Gracias a Brasil, los rostros de los indígenas walapití, yanomami, kalapalo y tupari dejan la selva para recorrer el mundo y fascinar a los urbanitas.

DESDE LOS ÁNGELES

La obra de Élon Brasil ha recorrido mucho mundo. Su ultima éxhíbición fue en una galería de Los Ángeles. Ahora se puden ver en la sala sita en una galería comercial de la calle Perdomo de la capital grancanria de lunes a viernes, en horario de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas.

LA FASCINACIÓN DE LOS PODEROSOS

Conquistando estrellas. La sencillez de la vida de las tribus fascina a los famosos de Hollywood. Quizás sea por ello que figuras como Samuel L. Jackson, Forest Whitaker o Magic Johnson han adquirido obras de Élon Brasil.
Buscando los orígenes. Algunos empresarios suizos, holandeses, franceses y americanos han comprado obras a Brasil y le han pedido que los lleven al Amazonas. El pintor organiza expediciones de diez personas qué ofrecen algún bien a las tribus. «Para ello.s es un choque. Es gente acostumbrada a los buenos restaurantes, vino, foie... Allí conocen otros valores», dice el artista, quien guió por la selva al actor Leonardo Di Caprio y Gisele Bündchen.
Proyectos. Este año, Élon Brasil expondrá en Londres, Los Ángeles y en la prestigiosa Feria de Basel. Además, Volkswágen editará un libro sobre su biografía. Su obra se ha visto en países como Suiza, Canadá, Inglaterra y EEUU.
Respeto. A Brasil le preocupa la conservación de las tradiciones y los rituales de estas tribus ajenas a la globalización. «Soy un activista», dice el autor, quien alerta de que el Gobierno brasileño está a punto de aprobar una ley por la que gran parte de la selva se destinará a la producción de pastos, soja y cereatesparabiodiesef. «Están asediados», alerta el pintor. «Los próximos 10 ó 15 años pueden ser catastróficos para los pueblos amazónicos», lamenta.

Élon Brasil en Luroa

2008-02-26T00:00:00.003Z

Del 22 de Febrero al 14 de Marzo el artista brasileño Élon Brasil muestra sus obras en la galería Luroa.

"Yo pienso que la pintura tiene un efecto humanizador en las personas, el arte tiene un poder transformador"

Élon Brasil

Después de Nueva York, Los Ángeles, Paris, Bélgica, Suiza y Londres, ahora es el turno de España, y es en Las Palmas de Gran Canaria donde expone su obra el artista plástico Élon Brasil. Su trabajo esta inspirado en la cultura negra y en la de los indios Xingu.

Élon viene de su exposición en Los Ángeles donde recibió a las estrellas de Hollywood, sus obras están en las colecciones de actores como Samuel L Jackson y Forest Whitaker, o del astro del baloncesto Magic Jonson, así como al cantante Cederic de The Entertainer.

Este artista, nació en 1957, en la Playa de Jurujuba, Niteroi en el estado de Rio de Janeiro. Su obra definida como "expresionismo realista" esta compuesta por las imágenes de su tierra: indios, negros y mestizos. Sus temas buscan resaltar y conservar la cultura brasileña en sus propias raíces. Hijo de madre negra nieta de indios y de padre (el artista Milton Brasil) nieto de emigrantes italianos y portugueses vive en su propias carnes este mestizaje. Élon busca en las culturas que forman su herencia étnica, los indígenas y los africanos, no reproducirlos de forma pintoresca y folclórica, sino con la firme intención de captar lo sagrado o mágico que no está anclado en los seres, en las comunidades, como experiencia existencial, sus ritos o magias, que atribuyen significado de sus territorios naturales y de lo cotidiano.

Élon en su pintura utiliza la técnica del óleo sobre tela impregnada de resina. El artista mezcla diferentes tejidos que le garantizan una textura muy peculiar. Para ello utiliza materiales rústicos como las estopas de los sacos de café o azúcar. Sus pinturas están marcadas por diferentes tonos de tierra, ocres, marrón y negro, y las imágenes ocupan todo el espacio de la tela. Sus pinceladas retratan indios, negros, niños y adultos de miradas esquivas, melancólicas a la par que serenas.

Imágenes de la inauguración de la exposición el pasado viernes 22 de febrero

LUROA

del 22 de Febrero al 14 de Marzo.

C/ Perdomo 10, local 9 (Zona de Trina)

35002 Las Palmas de Gran Canaria

Teléfono 928381944

Esperamos contar con tu presencia en la muestra de este artista en nuestra sala

Cristina Galeote en ARCO

2008-02-14T10:44:00.004Z

La artista Gaditana Cristina Galeote está presente esta mañana en la inauguración por parte de Sus Majestades los Reyes de España, de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) de Madrid 2008.

Obra de Cristina Galeote, una de las artistas de Luroa que estarán presentes en ARCO

ARCO da comienzo hoy en la capital española y estará abierta hasta el próximo domingo 17 de febrero, siendo los días 13, 14 y 15 los dirigidos a los profesionales y el sábado y domingo abriendo sus puertas a todo el mundo.

Cada año se dan cita en esta feria numerosas galerías y artistas, tanto españoles como internacionales, siendo un referente en el mundo del arte contemporáneo.

La antequerana estará presente en este acto de inauguración, además de tener varias de sus obras en galerías donde ella ya ha expuesto y donde se pueden adquirir las mismas. En esta ocasión Cristina se muestra muy contenta porque son varios los proyecto que tiene previstos cerrar en esta cita tan importante para los jóvenes talentos, destacando sobre todo, los que mantiene con la galería Pepe Cobo, la única presencia andaluza en esta edición de 2008. Además y gracias al premio Focus Abengoa que recibía a finales de 2007, Cristina también tendrá un hueco con ellos, así como también, con la galería Luroa y Calo de Cataluña.

Junto a ella, también estarán presentes más antequeranos, concretamente José Medina Galeote y Raúl Pérez, que junto a Cristina acuden a esta cita por estar incluídos en la publicación “Arte desde Andalucía para el siglo XXI” realizado por Iván de la Torre para la Junta de Andalucía. A través de esta edición se da a conocer la proyección de distintos artistas de nuestra comunidad con bastante relieve en el mundo del arte, seleccionando a estos tres antequeranos. De Cristina ya hemos hablado, pero tanto Medina Galeote como Raúl Pérez son dos bazas más con las que se encuentra nuestra ciudad dentro del difícil mundo del arte contemporáneo, donde nada parece lo que es y donde el talento crece día a día.

Esperemos que los tres tengan suerte y que el trabajo que allí desempeñen estos días les dé grandes resultados

Información recibida de El Sol de Antequera

Juan Marques busca la Reina

2007-11-23T20:52:00.003Z

El pasado 9 de Noviembre inauguró Juan Marqués su exposición "Where Are You?" en la galería de Arte Luroa.

Textos previos a Margarita
pretextos de un pintor
pintura orgánica a los cambios de escala o diálogo con una Reina
Así que llegó un enjambre de abejas a casa y se encajaron bajo la cúpula de la chimenea
miles
y una Reina
no me era desconocido este mundo e intenté readecuar su hábitat
hice un panal al uso y volqué el enjambre en su interior adaptando mi indumentaria para dicha manipulación
llegué a sentir docenas de abejas sobre mí
la operación no pudo cerrarse con éxito pues parte del enjambre, reina incluida, no permitía acceso posible, estaban en el vértice interior de la cúpula y no alcanzaba ningún elemento auxiliar que facilitara su decantado

es así que las tres cuartas partes del enjambre que pude rescatar estuvieron varios días en el nuevo panal a pocos metros del enjambre y al que regresaron ya que la reina reclama toda su atención.

La segunda acción consistió en extender una tupida malla transparente uniendo enjambre y panal y obligando a las abejas a salir a libar al exterior a través de una puerta rendija habilitada a tal fin

por algunos meses, se adaptaron a esta dinámica pero la reina no paso nunca al panal, a pesar de instalar en él elementos de reclamo al uso
y así fue que en el área perimetral de la cúpula desarrollaron docenas de panales de cera y que llegaron a albergar varios kilos de miel
como fuera que llegaba el invierno y la chimenea seguía inhábil y habiendo fracasado en el intento de reubicar el enjambre y su reina, decidí retirar los panales que laboriosamente habían desarrollado
y pude probar su miel
la reina moriría, es de suponer, al retirar los panales y con ella el enjambre ya que hubo que hacerse por métodos expeditivos

Hay una metáfora en todo ello
y que el tiempo me ayudará a descifrar en toda su extensión
yo sentí que hurtaba su miel, la poca que conseguía al exprimir los panales que iba decantando
la comía en el mismo instante, como acto litúrgico. enfrascado en la tarea que me ocupaba
¡paladar exquisito, superior!

Esta exposición se la debo a ellas
intenté trabajar en el estudio a la par de los hechos y a su escala
desde la percepción de una abeja ¿quizá?
a través de su ojo a veces y otras como entomólogo o apicultor y la pintura expresándose como resultado

-¿dónde estás mi Reina?
-fui a tu rescate y me deje besar por cientos de tus disciplinadas soldados que tiñeron mi traje con el ocre de sus cuerpos
-en mi rito, quizá, alcancé a probar tu jalea real
-me queda cierta frustración por el fracaso pero, por un tiempo, puse mis pinceles y mi percepción a tu servicio
-y de aquí que en esta exposición que habla de miel y de abejas me haya privado de usar ni un solo gramo de cera de tus panales
-nunca pude cerrar este trato contigo solo intento ver con tu luz

Juan Marqués.

Ming Yi Chou en D-MENCIA2007

2007-11-23T19:06:00.001Z

El artista Taiwanes Ming Yi Chou, residente en Sevilla y artista de la galería de arte Luroa, es uno de los cinco artistas que formarám parte de la IX MUESTRA DE ARTE CONTEMPORÁNEO D´MENCIA 2007.

La Muestra de Arte Contemporáneo D´MENCIA llega a su novena edición en uno de los proyectos artísticos más consolidados de la provincia. Encontrarse con un proyecto de arte contemporáneo en una localidad pequeña como es Doña Mencía llama la atención. Sobre todo si se tiene en cuenta el nivel tan alto que tienen tanto los artistas que se presentan y sus obras, como el jurado.

De los 23 trabajos presentados para esta edición, el jurado ha seleccionado a cinco de los participantes: Javier Duchement - video -arte, Ming Yi Chou - pintura, Javier Martín Ruiz - pintura, Verónica Ruth - instalaciones y Juan López López - video.

La inaguración de la IX Muestra de Arte Contemporáneo D'MENCÍA 2007 está prevista para el Domingo 25 de Noviembre con la exposición de Ming Yi Chou, y estará expuesta al público hasta el 9 de diciembre , en la Sala de Exposiciones de la Casa de la Cultura Juan Valera en horario de visita de 19 a 21h.

D' Muestra tu Arte
En esta edición se desarrollará un proyecto paralelo, con el título D' Muestra tu Arte, destinado a niños y jóvenes, que persigue el objetivo de acercar el arte a través de talleres -de video, de pintura, de fotografía, de instalaciones y de cultura-, que se celebrarán durante el fin de semana.

CALENDARIO DE EXPOSICIONES IX MUESTRA DE ARTE CONTEMPORÁNEO D´MENCIA 2007:

MING YI CHOU, pintura, 25 noviembre hasta hasta el 9 de diciembre.
JAVIER DUCHEMENT, video -arte. 13 enero hasta 27 enero.
JAVIER MARTÍN, pintura, 10 febrero hasta 24 febrero.
JUAN LÓPEZ, video, 6 abril hasta 20 abril.
VERÓNICA RUTH , instalaciones. 4 mayo a 18 mayo.

El Proyecto D-Mencia llega a su novena edición con el propósito de acercar las artes plásticas actuales al ciudadano de la Subbética en un intento de sacar el arte de los grandes centros de exposiciones y de las capitales.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y el Ayuntamiento de Doña Mencía llevan a cabo este proyecto con la intención de que sea un referente artístico de los ciudadanos para entrar en la vía de la modernidad a través de las exposiciones de artistas contemporáneos y de la elaboración de un catálogo.

El artista Ming Yi Chou también será uno de los participantes en el Supermercado del Arte, que un año más abrirá sus puertas la galería de arte Luroa a partir del 15 de diciembre

MING YI CHOU
25 noviembre hasta hasta el 9 de diciembre
Casa Cultura Juan Valera [Doña Mencía]
C/ Juan Ramón Jiménez, 6
14860 Doña Mencía Córdoba [España]

Nueva temporada en Luroa

2007-10-03T01:36:00.000+01:00

La galería de arte LUROA, comenzó el pasado viernes, su cuarta temporada, con la inauguración de Juan Guerra "Espacios Oníricos", a la misma acudió un importante número de amigos del artista y asiduos de la galería.

Esta nueva temporada traerá a la galería LUROA, artistas ya conocidos como Juan Marqués, Jorge Ortega, así como muestras colectivas como la muestra de artistas contemporaneos de Brasil, pero mejor no adelantar acontecimientos, y comenzar mostrando lo que fué el inicio d temporada, por medio de algunas fotos del acto.

Juan Guerra: Espacios Oníricos

2007-10-01T20:32:00.000+01:00

En plena madurez creativa dueño ahora de su tiempo y de su espacio, el artista inaugura una etapa vital a la que le corresponde una expresión plástica renovada.

Sobradamente dotado, dominador de una técnica impecable fruto de una extensa formación, recupera el pulso de la tela y el pincel sin interferencias, mostrando una vez más su particular universo pictórico.

Como si de un bucle temporal se tratara, la actual propuesta enlaza formal y técnicamente con las obras que realizó en el inicio de su carrera. Sin embargo en este caso, la distancia y el territorio creativo recorrido, permiten contemplar un planteamiento novedoso y excepcionalmente coherente. Manifiesta una mayor fuerza y una expresión mucho más personal, en ese proceso de auto descubrimiento que no acaba nunca, por el que el creador bucea y se interroga acerca de sí mismo y de su entorno.

Armonía, equilibrio, unidad, definen bien la impresión del conjunto del trabajo presentado. En el mismo sentido conecta con su última producción porque, en Juan Guerra, la línea argumental y formal no sufre altibajos llamativos sino que, más bien, ondula y se mece con una melodía controlada y templada.

Nunca encontró manera de comunicarse a través de la instalación, fiel como ha sido al caballete y al pincel. Y sin embargo, hay un cambio, una mutación sugerida que se intuye tras las manchas de color, y que nos remite a la idea del tránsito, del paso, del desplazamiento, que se expresa a través de una pincelada más suelta, menos acabada, más fresca y espontánea, evolucionando desde la figuración hacia la abstracción figurativa.

Porque insinúa las formas con las que construye el paisaje, porque sustancia y otorga contenido a la muestra, porque no desempeña un papel secundario, el color emerge como el gran protagonista del trabajo. Los que han sido seleccionados respetan gamas armónicas sin disonancias y discurren desde los grises hasta los tonos terrosos para imaginar una atmósfera orientalizante, que nos evoca diferentes estados de ánimo. Lírica y poesía del lienzo desde una paleta a veces cálida, a veces fría, donde el artista considera que reside la base del placer estético.

Las formas vaporosas, caliginosas, se difuminan y contrastan con el trazo firme, agreste, que formaliza el espacio plástico, evidencian el interés por el paisaje japonés. Ambas forjan una sugestiva trama que nos plantea, en palabras del autor, el antagonismo entre el “ying” y el “yang”, lo masculino, lo femenino. Fusión de conceptos que provienen de Oriente que se reinterpretan como seña de identidad de un mundo abierto y globalizado. Ello hace que la obra trascienda el espacio acotado en el que se genera y establezca contacto con corrientes coetáneas en el tiempo, situando su mensaje en la modernidad.

Invita al espectador a escudriñar qué oculta la mancha, qué se encuentra más allá de la materia, que hay tras el pigmento, estableciendo un diálogo intencionado en la búsqueda y construcción de significados. Diálogo que, por otra parte, requiere la complicidad de quienes se sitúan ante el cuadro, concibiendo así un lugar abierto al intercambio, al cruce de palabras y mensajes; una suerte de abierta y democrática plaza pública, un ágora para la permuta de las monedas con las que se intercambia la belleza; una ciudad nueva.

El artista crea paisajes que ha soñado, que ha intuido, que ha inventado y atrapado en su memoria, para ejecutarlos desde el sentimiento genuino, desde la pasión con la que vivencia una vocación creativa diferente, exclusiva, única y personal.

Texto realizado por Purificación Santana Pérez

La artista malagueña Cristina Galeote presenta su obra en canarias

2007-05-29T19:18:00.000+01:00

El pasado viernes 25 de mayo, expuso por primera vez en canarias, la artista sevillana Cristina Galeote. La inauguración que conto con una importante participación de público tuvo una importante aceptación, tal y como se puedo comprobar por la cantidad y calidad de las obras vendidas.

Tal y como nos manifiesta Cristina, sus pinturas son espejos de una sociedad atrapada por la comodidad y el individualismo, insensible a los dramas que entran en las casas a través de la televisión. La andaluza propone espacios domésticos que intentan despertar el espíritu crítico del espectador.

Cristina forma parte del colectivo Signos del Medio Día,aunque colabora estrechamente con otros colectivos sevillanos como Blitz-art, y La paciencia del buey; colectivos de jóvenes artistas que se reúnen para compartir reflexiones, trabajar y sumar fuerzas para abrirse camino en el complicado mundo del arte; estos colectivos exponen sus trabajos por diferentes salas de Andalucía y realizan exposiciones en diversos puntos de la geografía nacional e internacional.

Les adjuntamos un texto elaborado por Juan Marques, tras visitar la galería mientras se montaba la exposición, y que fue leido el día de la inauguración:

"Me circunscribo a lo visto en la muestra de Cristina Galeote en su exposición "Antes de todo" que inaugura la galería Luroa el viernes 25 de Mayo de 2007.

Sus interiores, como estaciones, me hablan de tránsito, de partida hacia alguna parte, alguna parte que valga la pena como desea Cristina y se autorretrata en espacios vacíos ajenos a dichas estancias, quiere verse afuera de sus interiores que la inquietan y distraen del plan de organizarse su viaje hacia algún lugar, y los elementos tópico que se le han podido colar en éste su espacio pueden acabar bajo su motosierra, tal es su afán de partir desnuda sin lastre y; se nota, en sus estancias alguien se ha ido a otra parte; angulosas, hirientes, mínimal amueblamiento, de sus paredes asoma una iconografía congelada, en forma de cuadros en los que los tópicos del reciente pasado histórico amenazan en su intento de abducir a quien los contemple con su injustificable pesado ideario y colarse de nuevo en el tiempo que ya es el de Cristina, y de sus coetáneos, y de todos, de todos los que quieran emprender un viaje iniciático que tuviera como primera escala la identificación de los compañeros de viaje y acordar con ellos la momificación en paredes de museos del horror de los iconos de la violencia e ignominia pretérita, y como segunda escala el firme propósito de resurgir sobre las cenizas y no repetir los errores del pasado. Y para ello poco, poco equipaje... unos pinceles y una motosierra o una motosierra-pincel para Cristina.
A Cristina del pasado le puede interesar la atmósfera de Diego de Velázquez en sus retratos, porque es pintora, y del vacío que circunda a los personajes velazqueños se puede aprender, no hay vacío más car gado que el de Velásquez; ¿no sabemos ya que el éter no es el vacío?, ¿que la fuerza de gravitación actúa en él y que es una parte de la materia: la antimateria?, ¿ no está tan cargado el éter como los fondos de los retratos de don Diego? ¿No será que al final todo es materia y en el fondo del túnel la suma de todas las materias, contando con la antimateria es la luz?

Pues sí, Cristina es clásica por cómo establece los fondos de sus retratos, tienen su éter; ¿no debiéramos calibrar nuestro equipaje para viajar por él? , ¿no deberíamos congelar las iconografías opresivas en espacios estancos y marchar? Cristina, en su propuesta pictórica determina dos planos diferenciados: en sus fondos etéreos habita ella y pertrecha su equipaje, en sus estancias inhabitadas congela despojos, los preteriza pero no los dota de atmósfera, los agobia para no volver a respirar su aire viciado, en la ejecución de estas obras parece haber trabajado con planos y mediciones concisas porque el aire no iba a ser posible, son continentes sin contenido, están dimensionados con los elementos que participan pero sin aire, y lo hace adrede.

Yo veo convocatoria en su proyecto. Nos convoca en su éter velazqueño, aunque no alce la mirada ocupada con su motosierra nos invita, porque ahí, a pesar del ruido de la máquina, sí se puede respirar.
En éste su viaje hacia alguna parte la tercera estación es descubrir a los embaucadores y seguir escapando hacia alguna parte, porque lo que ocurrió, ocurrió "ANTES DE TODO". Antes de todo lo que va a ocurrir."

Juan Marqués. (Pintor)
Galería Luroa del 25 de Mayo al 19 de Junio

Octavio Floreal presenta "Indagine"

2007-03-19T19:37:00.000Z

INDAGINE: (sust., trad. Ita.) Búsqueda sistemática para conocer, descubrir. Cualquier investigación demoscópica, estadística, histórica, filológica,…..

El pasado viernes 16 de Marzo de 2007 a las 20:30 horas, se inauguró la exposición de Octavio Floreal, INDAGINE

“…El arte debe ser un visión amplia, no única ni absolutista como realidad, si plural y diversa. No soy pintor, ni escultor a la etiqueta, ni postmoderno, ni conceptual, ni performer. Yo me declaro poeta. Creo que la poesía va más allá de un folio en blanco y el movimiento curvilíneo del discurrir de un bolígrafo o un golpeteo de teclas. Metáfora.”

La obra que presentamos en Luroa pertenece a "Indagine" (trad. busqueda, investigación, indagar, averiguar) ; la cuál es el título de todas y cada una de las piezas que presenta. Composiciones grandes, abstractas que recuerdan a bandadas de pájaros o galaxias, un caos de cosas de pequeños elementos, figuritas: una mano, muchas; una chica, la modelo, muchas; un pie, muchos, cuadritos, muchos; un arco, muchos; una flor, muchas; un corazón, muchos. Todos, diversos, dentro de un orden suyo que lo hace existir como obra de arte. Son elementos con los que ha trabajado y trabaja en sus cuadros, esculturas, instalaciones, exposiciones... Eso que se denomina la mitología del artista.

Con motivo de la inauguración el artista realizó una performance denominada “El Acto”.

Ése ser productivo, ése ser constante, crear, realizar, imaginar, crear, ésa acumulación de obra, casi obsesiva, un poco obsesivo como son los artistas. Todo ese compendio de obras que realiza uno cuando cobra conciencia fino a que muere, eso que llamamos " La obra del artista". Que no se entiende sino cuando lo miramos con los ojos del pasado y entendemos realmente qué cosa quería decir el artista, entiéndase, pintor, músico, arquitecto, escritor, actor, bailarín... y todos los que nos movemos en el espacio infinito que existen entre dos renglones.

Ese debería ser el título de la obra, "Obra de Artista" un poco pretencioso si se lee fuera de contexto, por lo que Floreal le ha dado "Indagine" desde el inicio. Título italiano. Así de casual. Como la vida misma.

”Los diferentes elementos se han ido sumando a los que ya estaban y se seguirán sumando otros nuevos que formen parte de mi obra. Es una obra en continuo crecimiento. Y siempre nueva.”

I Taller de Podcasting de Canarias

2007-03-17T16:57:00.001Z

Hoy a las 16.00 horas, en la galería Luroa.

Los datos que necesitas conocer para asistir, bien en directo, o desde cualquier lugar del mundo, son los siguientes:
I Taller de Podcasting de Canarias.
Las Palmas de Gran Canaria
Día: Sábado 17 de Marzo de 2007
Lugar: Galería de Arte Luroa
Horario:16:00 a 21:00 horas de Canarias

Enlace para la Emisión en directo por streaming a partir de las 16:00 horas y durante todo el taller.Desde la organización queremos agradecer a todos aquellos que desde sus blogs o medios han hecho referencia a este evento: Canarias Bruta, Luroa, Podcastellano, Mangas Verdes, Linotipo, Taller, Planeta Canarias, Estimado, Atarecos, Diario a Bordo, Nube Psicodélica y Elsua por ahora.

Noticia enviada por Cronicas de Esperantia

Juan Betancor: Paisajes del Alma

2007-03-06T19:23:00.000Z

Uno de los cuadros que figuran en esta exposición -el titulado "Composición rítmica"- nos proporciona la clave para acceder a la significación del tipo de paisaje que protagoniza la pintura de Juan Betancor. Es, como si dijéramos, la "puerta al campo" cuya apertura pone ante nuestros ojos la forma en que el pintor interpreta a la naturaleza lo que aparece no son exactamente símbolos, sino signos, partes de un lenguaje figurativo cuyo enlace transforma en inteligible el pensamiento del artista: casas, árboles, eras, sembrados, hojas, flores, carros, arados, nubes, gotas de lluvia, cercas, pájaros, etc. Todos están esquemáticamente trazados y poseen distintas variaciones que denotan la aleatoriedad múltiple del sistema. Betancor crea así un "alfabeto" propio y abierto que utiliza para dar sentido a la "página" del cuadro.

El hecho de la preexistencia de este "cuadro de cuadros" otorga fundamento a la apariencia de collage tan característica de la pintura reciente de Betancor. En efecto: la imagen total de la composición, en los distintos cuadros, parece armada a partir de fragmentos de imágenes que provienen de otras fuentes y que no son las que se obtienen, en primera instancia, de la observación inmediata de la realidad. Betancor ya ha hecho esa operación de metamorfosis de la realidad a la visión personal de la realidad en un estadio previo a la concepción del cuadro. De tal manera, cuando está ejecutando una nueva obra, puede dedicarse más intensamente a lo que podríamos llamar la obtención de una metáfora de la realidad, disponiendo de aquellos signos previos no en atención a la significación de su imagen, sino como funcional estructura plástica. Así, la perspectiva de varias casas, aún dispuestas en un mismo plano y compartiendo idéntico punto de vista, puede ser distinta para cada una de ellas, y los árboles no tienen por qué adoptar su invariable constitución vertical: colocados horizontalmente en una cenefa, en el lateral de la composición, poseen una rotundidad de presencia incluso más efectiva que si se dispusieran en su orden más común. Es evidente que esta ruptura de la continuidad del espacio implica cambios de visión, simultaneidad de perspectivas, etc., características propias del collage, como una simplificación de la más cerebral estructura cubista.

Porque Betancor, y ésa es, creo, la esencia de su trabajo, no quiere pintar la realidad, por hermosa y transparente que ésta sea. La realidad le sugiere datos, signos aislados (todos los que figuran en el cuadro a que me he referido al principio), que él simplifica despojándolos de su realismo. Y con esos recursos formales, aprendidos de un primer encuentro con la naturaleza, el pintor estructura en su composición unas imágenes que tienen más que ver con la emoción de la realidad que con la realidad misma. Pero como ocurre con todo afecto, éste no puede ser despegado del hecho que lo provoca. Aquí tampoco la realidad queda anulada; pero su conversión plástica, de la manera en que la efectúa el pintor, trasciende lo que podríamos tener por versión original, hasta convertirla, ahora sí, en un símbolo de la naturaleza, es decir: en una expresión arquetípica, al margen de tiempo y de lugar.

En este sentido no hay en las pinturas de Betancor ninguna clase de sentimentalismo que haga fácil por parte del espectador la identificación del paisaje: que podamos reconocer tal o cual parcela de la geografía insular (Agaete o el Parque de San Telmo, por ejemplo), son meras anécdotas que no empañan la pureza de la visión, desprovista de adherencias superficiales El espectador debe entrar en el paisaje y no en un paisaje. Betancor busca la esencia del paisaje, la que se manifiesta en la estructura de una hoja, en la rugosa materia de una pared o de un tronco de árbol, en la gracia rosa y blanca de un almendro... Paisajes de cualquier lugar; esos que Miguel de ünamuno llamaba "paisajes del alma": los que el pintor -o el escritor- lleva consigo y los revela ante cualquier sugerencia que se ofrezca a sus ojos y a su sensibilidad.

Se trata, en todo caso, de paisajes humanizados, dispuestos, casi diseñados, por la mano del hombre, pero en los que éste no tiene apenas presencia física (sólo en un par de cuadros aparecen figuras humanas). De ahí que el orden a que el pintor somete los distintos elementos de la composición, aunque arbitrarios en su disposición particular, acentúen esa impresión general de paisaje "hecho" por el hombre. No aflora en ellos la casualidad natural, sino el hallazgo del arte.

Con respecto a otras series precedentes en las que ya Betancor utilizaba esta manera compositiva, puede anotarse en la presente un acendramiento de la técnica, y una disposición más brillante y exaltada del color. El resultado es una pintura más lúcida y lúdica, más de puro y gozoso juego, como hecha sin esfuerzo, como deleite espontáneo de la imaginación. Esa es la apariencia; pocos saben el laborioso esfuerzo que implica alcanzar la sencillez, esa sabia inocencia de una visión poética de la realidad.

Obra reciente 2000-2001
Lázaro Santana; CICCA; 13- 30 Noviembre 2001

Juan Betancor

2007-02-13T20:20:00.000Z

Nace en Las Palmas de Gran Canaria en el año 1942

Estudia Pintura y Dibujo en la Escuela Luján Pérez en el año 1945, llegando a ser Profesor y Director de dicha escuela entre los años 1989 y 1992

Enlaces en Luroa Arte en Canarias:

Luroa Galería de Arte:
Página del artista: Juan Betancor.com
Otras web sobre la artista:

Pilar Rodiles

2007-02-13T20:13:00.001Z

Pilar rodiles nace en Tetuán, Marruecos.

Cursa estudios de dibujo en la escuela de B.B.A.A. de Bellas Artes de Tetuán, Artes y Oficios en Sevilla

Reside en canarias desde 1.969

Enlaces en Luroa Arte en Canarias:

Enlaces en Luroa Galería de Arte:

Pilar Rodiles: Mujeres de Porcelana

Otras web sobre la artista:

Supermercado del Arte 2006 /2007 en Luroa

2006-12-26T20:08:00.000Z

Estas navidades se puede disfrutar nuevamente del Supermercado del Arte en la Galería Luroa.

La selección de más de treinta artistas, vuelve a contar con obras originales de entre 30 y 120 euros, además de obras en gran formato con precios de oportunidad.
La selección de artistas que participan este año es la siguiente:

Augusto Vives
Conchy Rivero Rivero
Criatian Lapusán
Elisa Pape
Enrique Portero
Francisco Javier Lopez Pereira (Fisco)
Gabriel Ortuño
Gema María Sánchez Yánez
Germán Páez
Enrique Portero
Esther Valladares
Javier Redondo
Jero Maldonado
Jorge Ortega
José Luzardo
Jose Riquelme
Jose Rosales
Juan Baéz Melián
Juan Betancort
Juan Guerra
Juanfra Ojeda
Juan Marques
Magin Pérez Ortiz
Mariam Moratinos
Marta Mariño
Marta Vega
Martino
Mateo Alemán
Máximo Riol
Ming
Paqui Martín
Pilar Rodiles
Sira Ascanio
Vicente Bruñó
Víctor Sicilia

JUAN BETANCOR Y EL TERRITORIO ECUMÉNICO

2006-12-26T18:37:00.000Z

Como otros alumnos de la histórica Escuela Lujan Pérez, Juan Betancor inició su relación estética con la realidad cercando objetosen bodegones posimpresionistas/ añadiendo al reducido bosque insular un vigor fauvista y realizando oblicuas representacionesde desnudos femeninos, tal como se observa en la fotografía de su exposición en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz deTenerife (1969). Después, antes de iniciar la deconstrucción abstracta de su orientación artística, Betancor dirigió la atención haciael paisaje, creando en aquel mismo año una visión superficialmente tradicional, que no obstante analizada nos revela el vacíoespacial del agro canario. El artista rechaza, como dice Juan Ismael en su breve aunque incisivo texto para el catálogo de la GaleríaWiot, el "apego al detalle", da una "visión genuina" de la tierra rural y mediante el color crea una "sorda luminisodad" que, enla sabia interpretación del surrealista, se opone a la fácil y tópica luminosidad de la pintura canaria idealista.

No está de más sugerir que Betencor, al igual que hicieron Pisarro y Sisley, estructura la visión de la realidad exterior, sus paisajes,en función de las vías o caminos deshabitados que la transitan, algo que ellos habían heredado a su vez del maestro Corot, y dela tradición analítica, inteligente del paisajismo menor del dieciocho.

Los serenos campos que representa se convierten en el territorio de un juego abstracto, donde más que casas, tapias y cobertizos,elementos propios del minifundismo insular, surgen bloques semi-abstractos de composición.

En los próximos años Betancor se adentra en una meditación abstracta, y explora con las herramientas del clima informalista quese prolongaba entonces en España, la textura y la línea, el corte en el empaste y las zonas puras del vacío, aunque su abstracciónpictórica arrastra la presencia de la figura. Así utiliza el collage en la obra de la Galería Yles donde expone en 1975, y la impresiónde formas para prefigurar las fachadas dinaminzadas de sus riscos en los 80 y los 90. La huellas que él crea actúan visualmentecomo claves topográficas, rutas y caminos que atraviesan territorios y colonizan el espacio abstracto que el pintor llega a teorizaren 1979.

Betancor nos muestra directamente el proceso de su transformación al describir como él busca "reavalorizar los coespacios" entreobjetos, y que tal estrategia descansa sobre el color y no en la geometrización y la impersonalidad del constructivismo. A sumanera, es cubizante y penetra en la composición-construcción. Nos advierte, asimismo, de algo fundamental en su composición,una anotación que habla de un humanismo, de un contrato social que es central a toda su concepción ética del arte: "la obre ofreceun centro hacia el cual se congrega su arquitectura y del que irradia".

Los "lazos rotos" con la realidad exterior que ha logrado el pintor le permitirá la definición autónoma del espacio que es la quetransmite actualmente su pintura. El color es a la vez dominante, funcionando semánticamente, y anecdótico, como es lapreferencia de cada cual por pintar su casa... Dos son los tonos que establecen al subordinación, el blanco y el ocre, la tonalidadde la geografía, que define la vegetación y delimita la conducta. La geometría no es la precisa traducción del volumen, sino unaespecie de vago patrón que sirve para determinar un alfabeto. El espacio, es el perímetro estático de un mapa urbano y un flujocircular que se manifiesta como percepción primitivista del cosmo. Todas estas ideas que describo son las orientaciones genéricasque ha conquistado Juan Betancor tras veinticinco años de exploración formal y esfuerzo intelectual.

La siversidad de su obra le conduce también a ejercer la sátira social, cuando pinta, a lo Daumier, a unas viudas chojuanescasapretujadas en un banco que observan de reojo sus posaderas desnudas, y enuncian el título del cuadro, ¿Qué miran?Sorprendentes son también sus bodegones semi-figurativos, lejos ya de los tonos sobrios que inicialmente caracterizaron su palé,fieles a la juxtaposición de planos espaciales, dotados de colores primarios, pigmentos azul cobalto y elementos de collagesuperpuestos. Bodegones que celebran el interior doméstico, que descongelan la frialdad metafísica de Morandi.

En esta, su más reciente exposición en el Club de Prensa Canario, podemos penetrar en las vistas aéreas que Betancor nos ofrece,visiones desde una gran altura que plasman un sentido íntimo del espacio social del hombre, ya que la distancia de la mirada noha excluido la percepción íntima de lo que define el barrio. Las casas signo del pintor proceden en un enjambre de jeroglíficos,organizadas como un calendario ancestral que retiene el calor del lugar habitado. Esta es una ordenación singular del territorio,reveladora de un caos que agrupa caprichosamente o disemina al azar. Núcleos urbanos o pueblos donde la naturaleza apareceen franjas o hileras, palmeras y campos sembrados, árboles secos, en precario equilibrio con una tierra básicamente árida. El colorexpresa la alegría y la humildad, y es abstracto como los árboles azules o los pinos rojos. Una dinámica de interrelación einterpretación personaliza la distancia de los mapas de Betancor, que se elevan frontales como un mural de la realidad exteriorencapsulada en la simbología de los contenidos.

Pinturas (1994-1996)
JONATHAN ALLEN, Club Prensa Canaria, Del 11 al 21 de Noviembre de 1996

La realidad transformada

2006-12-26T18:19:00.000Z

Hace ya unos años, en octubre de 1969, Juan Ismael escribió un texto. Escrito sobre papel pautado a mano, arrancado de un cuaderno de ejercicios musicales, era para la exposición de su amigo Juan Betancor en la galería Wiot. En él definía las líneas diferenciales de su obra:
"Una claridad, una franqueza en la manera de su gruesa textura hace más ostensible la limpia administración de sus posibilidades"'.
Desde entonces en su pintura adscrita en principio al expresionismo hasta su obra más reciente, su trabajo constante ha ido evolucionando. Alumno de la Escuela Lujan Pérez en la década de los sesenta, cercano a Felo Monzón, la experimentación y el estudio lo han llevado a transformar sus pinturas iniciales en una obra donde el mundo onírico se da la mano con la escala Fibonacci. En su trayectoria de indagador constante, se desligó de la figuración durante un período relativamente corto para después reencontrar el paisaje, su peculiar paisaje, en una nueva revisión de la pintura. Atraído también en los años ochenta por la nueva figuración, la deriva hacia una pintura matérica con elementos añadidos como el aluminio fue sin duda el tránsito necesario hasta sus "paisajes verticales".
Esta etapa anterior, que Juan Betancor asevera relacionada con el constructivismo - no en vano el "Universalismo constructivo" de Torres García fue esencial en la EscuelaLujan Pérez-, creada hacia la mitad de los noventa, reflejada en el mural de Gando, sufre un proceso interno de transición hacia esta nueva pintura. De estos cuadros realizados en los noventa escribió Jonathan Alien:
"Los serenos campos que representa se convierten en el territorio de un juego abstracto,donde más que casas, tapias y cobertizos, elementos propios del minifundismo insular,surgen bloques semi-abstractos de composición "

Aquellas azoteas que vistas desde el cielo aparecen como signos de una caligrafía imaginaria ganan en color y ahora se convierten en pasajes transitados desde la realidad al sueño. Los colores, escogidos con deleite, se enriquecen mutuamente en contrastes y armonías que apenas rememoran la realidad.
Durante estos años, Juan Betancor ha permanecido en un silencio productivo; la
deconstrucción de los planos y la terminación precisa de sus líneas se alian con salidas al
campo, como las que realizaba hace años con Miró Mainou y un grupo de artistas de la Escuela Lujan Pérez. Estas salidas en verano, que mantiene constantes, son en las que se empapa de pueblos, de luz, de una atmósfera que diferencia cada uno de sus cuadros. De ellas -de estos paseos a plein air- surgen apuntes de rincones, casas colgadas de las laderas, muros que se abren. Esta realidad, que posee su propia belleza, se ve transformada y a veces redimida por la mano del artista. De entre un grupo de casas, en los que las grandes manchas de color marcan la pauta, surgen árboles, hojas secas, o racimos de fruta de una espectacular belleza. Entre las grietas de un muro, la rama vegetal recuerda que en cualquier lugar hay un misterio o la vida; en los árboles apenas insinuados, un grupo de naranjas nos acercan a la realidad. En muros de jardines abandonados donde de pronto crece la hierba, él imagina y reinventa desde que en su procedimiento acaba el boceto y se entrega al lienzo donde sitúa el cuadro definitivo.Mientras, el tiempo detenido en un reloj, oculto entre los árboles, sugiere el lado mágico de las cosas.
En sus cuadros, en la mayoría de los que presenta en esta exposición, la fantasía ha ido trasladando el territorio de la realidad a un terreno abonado por la imaginación. De hecho el propio artista se confiesa cercano, aunque su cercanía es más poética que pictórica, a Chagall y al Miró anterior al surrealismo. Pero, en un salto atrás en el tiempo, su sensibilidad ante la pintura señala al gótico, la etapa en la que la perspéctica albertiana aún no había marcado la visión occidental de la pintura.
Entre estas afinidades electivas, y quizá influido por las conversaciones y la enseñanza de Felo Monzón, surge también la necesidad de una pauta para componer el cuadro. Y que mejor, en una enamorado de la época tardomedieval, que la escala Fibonacci, la medida secreta que a través del tiempo ha roto las distancias entre la arquitectura y la plástica.
En su proceso, Juan Betancor arranca del entorno lugares habitados, aunque apenas aparece el ser humano en sus pinturas. La casa roja sobre un cielo verde intensamente fauve, tras el que se reconoce el perfil de la ciudad, se transmuta en una obra en la que el color se hace protagonista. En otros cuadros, los limones de poderoso amarillo refrescan la mirada sobre el intenso y oscuro azul. Entre estos cuadros y los paisajes chagallianos hay un proceso que no existe para los primeros y que se hace evidente en los segundos: la pintura transmutada ya no desde lo más intimo de su color sino desde la forma. Sólo entonces se puede entender que ese campo arado con las casas distorsionadas bajo una intensa y clara luna es el reflejo de un proceso que arranca de apuntes del natural, de bocetos realistas, o de collage y de acuarelas, hasta materializarse en la pintura definitiva.
El propio cuadro le demanda su transformación, como los personajes de una novela demandan al escritor el desarrollo propio y diferenciado de su historia. En esa vivencia íntima y continua de la pintura, del proceso de elevación de la realidad a los paisajes de la mente, las palabras de Juan Ismael vienen a ser el colofón preciso para acercamos a este creador:
"Tiene Juan Betancor un positivo sentimiento de la armonía tonal. Logra muchas veces una "sorda luminosidad", francamente delicada y muy difícil de captar en ese punto justo donde, en momentos determinados, la luz que desprende el cuadro alcanza un clima como de hechizo ".

Angeles Alemán
La Atalaya, 2000

Texto del catálogo de la exposición de Juan Betancor en la Galería de Arte Magda Lázaro en Noviembre de 2000

LA SÍNTESIS PICTÓRICA DE JUAN BETANCOR

2006-12-23T19:45:00.000Z

Un nuevo y original valor plástico ha irrumpido en el panorama del arte canario con una poderosa fuerza expresiva: Juan Betancor, pintor de Las palmas cuya cautivante obra se cuelga hoy en las Paredes de este Círrculo de Bellas Artes.
Sobradamente conocido en el ámbito de la plástica moderna grancanaria sus muestras tienen un perfil especial. Son exhibiciones cargadas de rústicas sorpresas. Mensajes insólitos, pues sus pintaras poseen, ante todo, una rara y voluminosa definición diferencial dictada por la fuerza de su temperamento, siempre guiado por la reflexión frente al tema. Así nacen extrañas verslones de cumbres, cielos y tierras torturadas por un disciplinante deseo de síntesis y pureza emocional.
Pintor de lenguaje crudo, violento, sus lienzos son como sonoras clarinadas definidoras de un drama contenido. Aquel drama que frente a nuestro paisaje cumbrero definía Unamuno como "tempestad petrificada". El mismo que surge cuando consideramos el concepto de canariedad, que es en resumen, como si nos enfrentáramos con las raices de un plasticidad interna donde el color es sensación inquietante y la forma física un resumen hiriente de nuestra geometría insular cargada de sol, aislamiento y fuego geológico.
Pero la característica primordial de la pintura de Juan Betancor es su sentido de libertad. Sabia libertad al servicio de una personal interpretacion de nuestro paisaje. Formado en el seno de la Escuela Lujan Pérez -a la cual pertenece como valor de primer orden- sus cuadros responden a la bondad de un sisstema pedagógico ya tradicional en este centro artístico.
Betancor pinta y analiza. Se conduce por impulsos fuertemente controlados. Prueba elocuente, una vez más de que el quehacer plástico requiere que las virtudes del temperamento sean quiadas por un raciocinio donde la síntesis es lo fundamental.

FELO MONZÓN

Texto y fotos extraidas del catálogo de la exposición en el Círculo de Bellas Artes de Sta. Cruz de Tenerife entre los días 8 y 18 de enero de 1969

JUAN BETANCOR: EL PAISAJE ABATIDO

2006-11-20T10:22:00.000Z

LÁZARO SANTANA

La Escuela Lujan Pérez ha sido depositaría de una forma peculiar de interpretar el paisaje de Gran Canaria (también del tipo humano; pero ahora limitaremos la referencia únicamente al paisaje). Los artistas que la han frecuentado (como alumnos, o, simplemente, como espectadores asiduos, atraídos por la amistad entablada con miembros de la Escuela) se han contagiado de una forma de ver la realidad insular que se inicio en la Escuela en torno a 1925, y que transformó enteramente el sistema de representación que hasta entonces aplicaban los pintores canarios. El paisajismo insular más relevante lo asumían las obras de dos pintores: Nicolás Massieu (1874-1954) y Juan Botas Ghirlanda (1882-1917). Massieu — que fue por breve tiempo (sólo algunos meses) profesor en la Escuela—, trabajaba un impresionismo ortodoxo; y Botas aún retenía en su forma impresionista resabios de un cierto romanticismo, aunque sus últimas pinturas (concretamente: los apuntes que debió elaborar a partir de 1913)— constituyan un atractivo ejercicio donde los aportes figurativos casi desaparecen en el remolino de color y materia condensado en esas pequeñas tablas. Ambas concepciones contrastan con la plenamente moderna que se ensaya en la Escuela hacia la mitad de la década de los años veinte, y que obtiene sus primeros resultados en la exposición colectiva celebrada en diciembre de 1929. Es, la nueva visión, una manera de entender la pintura que algo debe al cubismo: subraya las formas geométricas del paisaje, pero, sobre todo, las ordena de manera nítida, seca, y a veces, dura; acaso la adquisición más importante que hacen esos pintores sea la de la luz: una luz que desatiende la confusión impresionista y talla las formas en el aire con la densidad y solidez propias de la escultura. El pintor de obra paradigmática de esta nueva visión es Jorge Oramas (1911-1935); pero también aparece muy conseguida en los dibujos de Felo Monzón (1910-1989) y en algunos lienzos de Juan Ismael (1907-1981) y de Santiago Santana (1909).

Hacia 1960, esa herencia vinculada por leyes de prioridad a la Escuela Lujan Pérez recibe una substanciosa aportación: la de Miró Mainou (1921), un pintor catalán, residente en Las Palmas de Gran Canaria desde 1950. Miró renueva lo que ya se había convertido en tradición pacífica y perdido su vitalidad innovadora. Sus propuestas no desdicen las primitivas, al contrario: van en su misma dirección en cuanto a estructuración geométrica del paisaje; pero suprime aquella dureza atlántica y la sustituye por una ductilidad —que no suavidad— mediterránea, mezclando con desenfado colores que antes mantenían una pureza casi monocroma. Los alumnos que entonces frecuentaban la Escuela —recuerdo cuatro: Alvarado Janina (1947), Manolo Ruiz (1944), Francisco Sánchez (1947) y Juan Betancor (1942)— aprenden su oficio con Miró Mainou y hacen progresar la pintura de paisaje de los primeros indigenistas insulares.

De los cuatro alumnos citados es quizá a Juan Betancor al que más ha interesado la materialidad de la obra; en algunos de sus primeros cuadros introducía una leve capa de arena que daba a la pintura un aspecto rugoso y áspero; pero no fue hasta 1972' cuando la materia, con aglomerado distinto al que emplea actualmente, pasó a ser el elemento más relevante de su obra. Hasta entonces, sus paisajes, aún con la incorporación ocasional de la amalgama, respondían a una visión convencional de la realidad; lo representado era lo sustancial, y la manera lo sustantivo. Gradualmente, la manera fue invadiendo el espacio de la anécdota hasta que ésta concluyó por desaparecer totalmente: lo que quedaba era una superficie abstracta: la materia (frecuentemente parcelada en planos de acusada geometralidad), y algunos signos con vagas propuestas caligráficas, asumían todo el propósito expresivo del cuadro. "He cortado —decía el pintor en 1979— los últimos lazos que ligaban mi obra con la realidad visible"2. Esa ruptura, sin embargo, no fue total: los colores: verdes, azules, rojos, blancos, amarillos, etc. que antes el pintor aplicaba de manera muy característica y personal a casas, árboles, botellas, cielos, etc. seguían presentes en sus cuadros, y a veces, de manera apenas perceptible, sugerían fragmentos de hojas, de paredes, de cristales: emblemas de una forma de visión interior que pugnaban por situarse en la superficie del cuadro.

Después de 1979, Betancor inicia un largo paréntesis de inactividad en lo que se refiere a exposiciones individuales, ocasionado principalmente por la reanudación de los estudios de Bellas Artes; ese paréntesis se interrumpe de forma provisional en 1985 (exposición personal en la galería Malteses y colectiva en la galería Attiir —exposición, la última, donde las obras exhibidas denotan un dominio más fluido y dinámico de los acrílicos con respecto a la realizada en Malteses), y concluye definitivamente en 1990 (exposición Club Prensa Canaria). En ambas exposiciones individuales, y especialmente en la más conseguida y homogénea de 1990, Betancor reitera las formas abstractas según el esquema trazado en 1979, utilizando la materia en todas sus obras. El tiempo transcurrido desde entonces había refinado su técnica —y a ello no fueron ajenos los estudios de Bellas Artes que concluyó en esos años; pero el concepto se mantenía intacto. Sin embargo, la crisis de la abstracción ocurrida en los años ochenta, y la eclosión de nuevos procesos figurativos, proscritos hasta entonces por las sucesivas oleadas vanguardistas que sólo aceptaban la abstracción, el arte conceptual, etc., no podían dejar indiferente a un artista que, como Betancor, apenas disimulaba la emoción fresca y espontánea de su trabajo con el recogimiento racional del formalismo. En la materia había encontrado un vehículo idóneo para expresar un pensamiento plástico de poética oblicua: el color y las texturas variables de las superficies, la ocasional caligrafía, lo eran todo. Pero ¿era eso suficiente? Una revisión de su trabajo anterior a 1972 le proporcionó la clave para acceder a una nueva etapa, iniciada en 1992: obtener una simbiosis entre sus anteriores modelos figurativos y la abstracción: sin renunciar a la libertad que le concedía la abstracción para disponer del color y de la materia, decidió que ambos podían aguantar referencias figurativas, y que tales referencias estarían ligadas casi sin fisuras al paisaje —ese paisaje que constituía su obsesión de siempre, presente incluso, aunque de manera tangencial, en sus obras más cerradamente abstractas.

Obviamente el proceso de fusión llevado a cabo no es tan simple ni mecánico como su descripción literaria parece sugerir: no se trataba de soldar dos moldes para obtener un tercero, que resultaría ser la suma de ambos; el objetivo era fundir dos maneras de visión, y de procedimientos materiales, para lograr una tercera, distinta de las anteriores. Las referencias figurativas de los nuevos cuadros están lejos de conservar la linealidad descriptiva característica de su etapa temprana; en una superficie plana, sin profundidad alguna (herencia de su etapa abstracta) los signos figurativos despliegan sus distintos elementos: árbol, casa, era, parcela de cultivo, surcos, muros, grafismos, y son llevados al espacio pictórico con un mecanismo de composición analítica que sólo nos es perceptible, y eso vagamente, en la contemplación de la totalidad de la obra. Al sistema de composición se añade una singularidad que tiene tanto de intuición poética como de solución primitiva: las formas enumeradas aparecen abatidas, como si un viento prodigioso hubiera recostado en el suelo todas las imágenes verticales dejando intactas sus estructuras: los árboles se representan en alzado o en planta —digámoslo así para utilizar una terminología propia de la otra profesión de Betancor, la cual, sin duda ha influido en su trabajo de pintor—; en ambos casos constituyen formas radiales que dinamizan el juego rítmico de la composición; el "abatimiento" de las casas deja ver las fachadas sin formas muy definidas, unas veces agrupadas, tras dispersas, siempre distribuidas por el espacio pictórico en atención a un ritmo de forma y color en armonía con el entorno; a lo que no se guarda respeto es a la realidad aparencial, confundiendo el lugar de asentamiento; la casa puede estar sobre el árbol, y el sol debajo de la casa; y la tierra —planos horizontales y verticales, con surcos que denotan la presencia humana— se inmiscuye en el cuadro como un agrimensor dispuesto a poner orden en su espacio. Una mirada infantil confundiría algunos de estos cuadros con las figuras de un recortable antes de ser armadas en sus tres dimensiones, cuando todavía están dispersas sobre una superficie, sin que haya otro vínculo entre ellas que el que le proporcione la proximidad indiferente del azar de la tijera. Se trata, no obstante, de un paisaje constructivo, reflejado en una inmovilidad aparente; pero aquí la quietud es parte del significado (The quiet was part oí the meaning. Wallace Stevens), en el sentido de que Betancor parece reflexionar sobre las formas, tanto como representarlas.

También es en apariencia deliciosamente infantil (es decir: ingenuo, fresco, expontáneo, sin prejuicios) el gusto del artista por el color: un color brillante y exaltado, orgiástico casi, pero sin ser nunca agresivo. Los pigmentos azules, rojos, verdes, amarillos, se mezclan con la materia, sin ocultarla o amortiguarla, formando parte indisoluble de su mismo relieve. Colores que no tienen correspondencia semántica con lo que formalmente representan, y que proporcionan una visión subjetiva de la realidad: visión solar, armónica y festiva, estructurada como una música de la que escuchamos la melodía e ignoramos su inflexible estructura.

En cierta manera, este trabajo nuevo de Juan Betancor regresa, con un proyecto muy meditado que incluye el bagaje de todas las experiencias de un autor, a la pureza original del paisajismo insular moderno: aquí se nos ofrece una visión paralela a la que de ese mismo paisaje nos dio Jorge Oramas, salvo que éste armaba sobre la tela las figuras del recortable. 1 La primera exposición con obra absolutamente matérica la realizó Betancor en 1973, en la Sala Cairasco. Las Palmas de Gran Canaria. 2 Texto en el catálogo de la exposición en la galería Balos. Las Palmas de Gran Canaria, 1979. 3 Esos estudios habían sido iniciados en 1973, en Las Palmas de Gran Canaria. Los prosiguió en Barcelona, y los concluyó, con los cursos de Doctorado, en Santa Cruz de Tenerife.

Pinturas (1993-1994)
Centro de Iniciativas de la Caja de Canarias; Del 8 al 25 de Noviembre de 1994

Los días inmediatos de Juan Betancor

2006-11-16T20:51:00.000Z

El pasado viernes 3 de Noviembre tuvimos el honor de contar con la inauguración de la exposición de D. Juan Betancor "Los días Inmediatos", en la galería Luroa

La exposición se mantiene abierta hasta el 1 de Diciembre de Lunes a Viernes en horario de mañana y tarde.

D. Juan es un artista discreto, que pasá casi desapercibido, pero un artista constante y con tesón, como así lo demuestra su extenso curriculum de exposiciones y premios recibidos. La enseñanza de su arte la ha compartido con muchos canarios, afición que compagina con su trabajo y su pasión en seguir experimentando y creciendo como artista.

Imágenes de la innauguración de "Los días inmediatos"

Su discreción sin embargo, contrasta con la viveza de sus colores y dado que es un artista que inició su carrera en los años sesenta, que conoció y compartió su pasión con ilustres ciudadanos de nuestra tierra (Juan Ismael, Felo Monzón, Juan Rodríguez Doreste, ...) y del que han escrito multitud de amigos y profesionales, como constata su amplio curriculum; he decidido publicar en este blog, los diferentes textos que a lo largo del tiempo fueron apareciendo en los catálogos de sus múltiples exposiciones. Prometemos no repetir autor, y les invitamos a que aporten cuantas opiniones consideren oportunas.

Imágenes de la innauguración de "Los días inmediatos"

Para iniciar mostramos el texto de Lázaro Santana que acompaña el catálogo y que dió pie al título de esta exposición:

LOS DIAS INMEDIATOS

Ha llegado el otoño. En la montaña,
donde ahora estoy,
hace un poco de frío, el viento sopla
con un suave rencor, inquieta,
sin presionar, las ramas de los árboles.
El suelo está cubierto de hojas
rojas, aún tiernas y mojadas.
la luz es un gran saco
de mariposas esparcidas
por el aire –amarillas, blancas,
azules.

La mañana comienza,
parece un pacto de
misericordia: está a un paso
de hacernos creer que el mundo
podría ser el paraíso.

Los versos anteriores –que forman parte de un poema más extenso- los escribí en Gredos, hace unas semanas, cuando aún no conocía los nuevos cuadros de Juan Betancor. En cierta manera, los versos prefiguran la pintura, ya que el paisaje a que ambos aluden tiene la misma inocencia primitiva y espontánea. Son tanto paisajes mentales como paisajes reales, es decir paisajes creados. Los versos pueden ser un ejercicio de adivinación; la pintura, uno de sublimación. En los dos sigue la luz presidiendo como en su reino natural, en los días inmediatos al séptimo, cuando aún la serpiente ni siquiera aparecía como una premonición. Bien está que así sea, dejando al futuro su propio desasosiego.

Lázaro Santana

Imágenes de la innauguración de "Los días inmediatos"

ENTREVISTA A JUAN BETANCOR

2006-11-15T19:53:00.000Z

Entrevista a JUAN BETANCOR a propósito de su exposición “LOS DÍAS INMEDIATOS”, realizada por nuestra colaboradora Puri Santana, en su bitácora EXPRES-ARTE

¿Desde cuando inicias tu actividad pictórica?
A partir de los años sesenta.

¿Quiénes han influido en tu obra?
En la Escuela Luján Pérez fue mi maestro Felo Monzón. Posteriormente trabé contacto con Miró Mainou, con Juan Ismael y Plácido Fleitas.

¿Cómo describirías tus inicios en la pintura?
Mi primera etapa fue definida como “Expresionista”. Ya me manifestaba a través del color, incluso creo que ya se hallaba presente una tendencia hacia el “fauvismo” que todavía no me ha abandonado. Podemos decir que me encontraba buscando mi propio estilo.

¿Parece que diste un giro importante en los años 70?
Efectivamente. Yo diría que inicié una “Nueva Figuración”. Comencé a trabajar para evolucionar desde el momento anterior construyendo volúmenes, definiendo la línea y también difuminándola en el espacio. Utilicé óleo exclusivamente.Igualmente retomé la energía en la expresión del color utilizando la espátula. Obtuve un premio importante en la XV Bienal Regional de Bellas Artes. Al final de este período me situé en camino hacia la abstracción. Utilicé diferentes planteamientos en la ejecución de los paisajes. Los representé como si de vistas aéreas se tratara, combinando distintas perspectivas en la representación de los objetos. Creo que me influye mi profesión de delineante. Seguí con el uso del color como protagonista de la tela.

En los años 79-80 nos encontramos con un nuevo Juan Betancor.
A partir de 1979 con la exposición en la Galería Balos, fue mi época abstracta. Resultó un proceso natural. Había agotado mi capacidad para mostrarme a través de los que había venido haciendo hasta ese momento. Los colores se volvieron azules y grisáceos con algunas gamas ocres.

También agotaste esta forma de expresión.
Desde luego. Volví a una pintura matérica, realizada con pigmentos naturales para realizar una nueva serie “Constructiva”, en la que retomé el uso del color como protagonista de mi trabajo. Pasé bastante tiempo desarrollando las posibilidades que me ofrecía.

¿Cómo te plantes el nuevo milenio?

He abandonado la pintura matérica. Por supuesto, sigo utilizando el color tal y como lo experimento y como deseo transmitir al espectador. Se trata de uno de los grandes protagonistas de mi trabajo. Utilizo tanto el óleo como el acrílico. Mi inspiración parte del paisaje rural insular, aunque también he incluido la playa en esta exposición. He realizado manchas de color delimitadas por líneas para dejar constancia de los objetos. En este momento siento que deseo decir mucho con pocos elementos. Prefiero insinuar sin necesidad de llegar a la abstracción. Quiero simplificar el espacio, la forma y el color. Siguen presentes mis elementos contructivistas, expresionistas y abstractos, que han sido los estilos que he transitado a lo largo de toda mi carrera pero, en este momento, necesito recalcar la economía del gesto.

Puri Santana

Con Dali, Barceló y Tapies inicia Luroa su temporada

2006-09-20T19:10:00.000+01:00

Estimad@ amig@:

La galeria luroa inaugura su nueva temporada, que será ya la tercera de su trayectoria, y en esta ocasión presentará en su local una exposición de obra gráfica con unas 40 obras de diferentes artistas españoles y extranjeros, entre los que destacan el mallorquín Miguel Barceló que es hoy en día uno de los artistas españoles mas cotizados internacionalmente. También se pueden admirar obras de Salvador Dalí (entre las que destaca un tapiz con collage ), una obra del catalán Antoni Tapies compartida con el poeta Joan Brossa, una litografía de Antonio Saura de los años 80, varias obras de Eduardo Arroyo (destacando un libro con textos de André Malraux que contiene 10 litografías del artista), una obra muy representativa del canario Juan Hidalgo, destacamos también un grabado al carborundum en colores y relieve del recientemente fallecido Antoni Clavé, así como obras de artistas tan importantes como Luis Feito, Berrocal, Ubeda, Valls, y una selección de artistas sudamericanos como el cubano Jorge Camacho ,el chileno Roberto Matta, o la argentina Alicia Penalba. Todo esto junto con otras destacadas obras.

Es una primicia poder encontrarnos con las obras de estos artistas en canarias, sin tener que ir a los museos y con la posibilidad de poder adquirirlas a unos precios muy destacados y especiales para la ocasión.

Este conjunto es representativo de la tradición española por la obra gráfica seriada, que ya, desde los grabados de Goya , hasta las ultimas tendencias contemporáneas , nos pone en un lugar importante a nivel mundial.

Esperamos contar con tu presencia en dicha muestra que abrirá sus puertas al público el próximo Jueves 21 de Septiembre a las 20:30 horas.

EL JARDÍN ENCANTADO DE MING YI CHOU

2006-08-08T12:43:00.000+01:00

Taiwanés de origen y sevillano de adopción. Ming Yi Chou puede expresar y escenificar el modelo de artista del futuro fruto del mundo globalizado e intercultural. Formado técnicamente en su país de origen como diseñador gráfico, completa su preparación como artista en la Universidad de Sevilla. Domina tanto las herramientas propias del pintor, como las nuevas tecnologías de la comunicación.

Llega a España atraído por lo que le parecía un país exótico con una amplia cultura artística. Se enamoró del Sur y decidió quedarse a vivir en Sevilla, no sin antes haber pasado por ciudades como París o Nueva York.

Practica el acercamiento entre oriente y occidente, comisariando exposiciones de artistas taiwaneses en España y de españoles en Taiwán.

No es, desde luego, un recién llegado al mundo artístico. Dieciséis exposiciones individuales y un buen número de premios certifican una indudable calidad artística. Su obra aparece distribuida por una numerosa cantidad de colecciones tanto en España como en Luxemburgo, Italia, China, Taiwán, Rusia y Rumanía.

Persona espiritual, se confiesa fiel al Taoísmo. Filosofía milenaria nacida en China que preconiza alcanzar la “armonía” entre el hombre y la naturaleza, como el bien absoluto. Por ello nos dice Ming que “la naturaleza está aquí, existe, pero no la controlan los humanos, es más, cuando los humanos controlan la naturaleza el mundo pierde su equilibrio”.

Y es, por tanto, en esta apreciación en la que el artista es profundamente oriental, alejándose, de nuestra tradicional comprensión “dual” del mundo expresado en parejas de opuestos: bien – mal, blanco – negro etc . Por ello considera que todo es relativo, nada es positivo o negativo en sí mismo, por lo que la consideración final de un hecho puede resultar diferente en cada momento. Actitud equidistante de la realidad. Posición apartada, como de observador que mide, observa y calibra los hechos limitando su implicación en los mismos. En cualquier caso el Taoísmo invita a una suerte de desprendimiento de la realidad circundante y la búsqueda del Tao, entendido éste como “camino” hacia lo eterno. Esta ética preside claramente la obra de Ming. La naturaleza se presenta como la gran protagonista de su obra, no en vano, para los taoístas la vida en armonía con la naturaleza les hace inmortales.

Y por ello también la figura humana parece ausente en su trabajo. Preguntado por esta paradoja responde: “Si que existe. Yo lo transformo en símbolo, un trazo o una mancha. Es otra forma de representarlo. Es más espiritual que matérico”.

Por tanto, ética y estética se confunden, se convierten en la cara y la cruz de la misma moneda, para dotar de coherencia todo su planteamiento artístico.

Procedente de la cultura española, reconoce haber incorporado a su trabajo el azulejo árabe-andaluz y elementos arquitectónicos de las mezquitas andaluzas, así como muchas letras del alfabeto español, como la “Ñ” o la “LL”.

De su procedencia oriental se trae la caligrafía china y la simbología que surge desde el siglo XV hasta la actualidad.

Concretamente, acerca del proyecto “ANHELAR”, que se expone en la Galería Luroa, dice: “es un regalo para la celebración de la boda de mi hermana. Por eso utilizo elementos que significan suerte y felicidad. Indirectamente los espectadores cuando ven la exposición reciben suerte”.
En este “Jardín de la Felicidad” el color rojo irrumpe, junto a la naturaleza, como el gran protagonista de la muestra, con la fuerza de su carga simbólica que, en palabras de su autor simbolizan: “la pasión, la felicidad y la suerte”.

En este maravilloso “jardín encantado” Ming nos sumerge en un mundo pleno de símbolos donde lo evidente esconde una filosofía vital de tradición finisecular, fruto del pasado y de la más respetuosa apreciación de la naturaleza, en la que el hombre se inserta como elemento integrado en el espacio y por tanto no necesita ser representado.

Tradición y símbolos de Oriente expresados desde la espléndida tradición del uso del papel, y la tinta. Símbolos e ideogramas milenarios, trasmitidos desde el tradicional respeto por los valores culturales. Vitalismo y alegría como homenaje a la celebración del amor y la felicidad. Símbolos y caligrafías orientales conjugadas en un afán integrador, Oriente y Occidente suspendido en sus telas. Y sin embargo nuevo, actual, moderno en su acepción más libre. Porque Ming reinterpreta su tradición cultural, incorpora nuevos elementos para lograr una síntesis plena de valores plásticos y simbólicos.

(Articulo realizado por Puri Santana)

Ming en la prensa

2006-08-07T11:32:00.000+01:00

La exposición del artista Ming Yi Chou, a tenido amplia repecusión en la prensa local.

Puedes consultar la obra expuesta en la galería, en su página web: Luroa

También puedes contemplar otros trabajos de Ming Yi Chou, en su propia página web: Ming Yi Chou

Con esta exposición finalizamos esta temporada, cerrando la galería durante el mes de Agosto.

Nos veremos de nuevo en Septiembre con una exceente exposición de obra gráfica de artistas de reconocido prestigio (Dali, Saura, Barcelo, Tapies, etc..)

Les deseamos unas felices vacaciones.

2006-07-10T19:40:00.000+01:00

Entrevista realizada por Purificación Santana, al artista Taiwanes, Ming Yi Chou, que expone en la galería Luroa.

¿Cuáles son los temas que te preocupan y en torno a los que construyes tu obra?

Los temas de la naturaleza y de la humanidad, y esa mezcla es en la que me baso para realizar mi obra.

¿A quién o quiénes atribuyes influencia en tu obra?

A ninguna persona en concreto. Mis influencias son la naturaleza y el taoísmo.

¿Qué elementos hay en tu obra que proceden de la cultura china?.

La caligrafía china y la simbología que va desde el siglo XV hasta ahora.

¿Has recibido influencias de la cultura española y europea?.

Sí.

¿Qué elementos de la cultura española se han incorporado a tu obra?.

El azulejo Árabe-andaluz, elementos arquitectónicos de las Mezquitas andaluzas y muchas letras del alfabeto español, como la “Ñ” o la “LL”,etc.

¿Qué representa para ti la naturaleza?.

La naturaleza está aquí, existe, pero no lo controlan los humanos, es más, cuando los humanos controlan la naturaleza el mundo pierde su equilibrio.

¿Porqué prácticamente no existe la figura humana en tu obra?.

Si que existe. Yo lo transformo como un símbolo, un trazo o una mancha. Es otra forma de representarlo. Es más espíritual que matérico.

¿Qué deseas expresar con la obra expuesta en la Galería Luroa?.

El origen del proyecto es un regalo para la celebración de la boda de mi hermana. Por eso utilizo elementos que significan suerte y felicidad. Indirectamente los espectadores cuando ven la exposición reciben suerte.

¿Qué es lo que más te influyó en tu etapa de formación como artista?.

La cultura de España.

¿Qué te impulsó a venir a España?.

Por que España es muy exótica y tiene una amplia cultura artística.

¿Qué diferencias fundamentales encuentras entre la cultura china y europea en el campo de las artes plástica?

La filosofía y la forma de ser.

¿Qué significado atribuyes a los colores rojo y negro en tu obra?.

El rojo es la Pasión, la Felicidad y la Suerte, y el negro es el Misterio y el rey de los colores.

¿Cómo definirías tu obra?.

Mi obra nunca acaba.

¿Qué ideas o conceptos filosóficos te interesan y cómo influyen éstos en tu trabajo?.

La filosofía del taoísmo y la cultura española, en concreto la andaluza, son fundamentales en mi obra. Me influyen de forma natural, poco a poco, como el pan para España es el arroz para el Taiwanés.

Ming Yi Chou en Luroa

2006-07-09T12:55:00.000+01:00

Del 23 de Junio al 21 de Julio de 2006, expone en la glería Luroa el artista Ming Yi Chou .

Este artista nace en Taichung, Taiwán. el año 1969. En el año 1996 se desplaza a Sevilla donde obtiene la Licenciatura de Bellas Artes de la Universidad Santa Isabel de Hungría.

Reside en la actualidad en Sevilla, donde estre otras actividades dirije la Asociación Hispánica-Taiwanesa de Intercambio Cultural.

En el año 2002 obtiene el primer premio en el “Certamen de Arte Grafico para Jóvenes Creadores”, Calcografía Nacional Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.

En la actualidad pueden contemplar sus trabajos dentro de la exposición "Anhelar", donde muestra pinturas, obra gráfica y un trabajo en soporte vídeo.

MUJERES DE PORCELANA

2006-06-01T20:48:00.000+01:00

Toda obra vacía de contenido se queda en la mera representación. Hasta la más hábil, la mejor ejecutada, nos está contando una historia, la historia de su creador, pero también la historia de una sociedad, del ser humano, de un tiempo, de unas circunstancias, de la sociedad en que se vive. De modo que la obra cohabita, de alguna manera contando nuestra historia, que es la historia de nuestro tiempo.

Este proyecto nos interroga sobre la condición femenina estructurando su discurso en dos bloques: Mujeres de Porcelana y Miles de Looks.

En Mujeres de Porcelana, las figuras se modelan con esta pasta , material frágil en apariencia pero consistente en profundidad. Se trata de mujeres en posición de abrazar, que imploran, que esperan, mujeres amantes, mujeres víctimas. Sus ataduras, a veces sutiles, a veces brutales, a veces de lujo, navegan en la ambivalencia amor – sacrificio.

En Miles de Looks, figuras de mujeres en acetato. Fragilidad y ternura a pesar de su aparente frivolidad. Mujer sexy, mujer fetiche, mujer objeto, mujer que ha aprendido a vivir también para sí.

¿Desde dónde parte el sentido de esta propuesta?
Como mujer me siento comprometida en esta reflexión.

¿Cuál ha sido tu punto de partida?
Me considero privilegiada porque he podido desarrollar mis potencialidades como persona. Me parece importante valorar la generación de mujeres a la que pertenezco, educadas para el servicio, la perfección y para seguir el camino previsto, que han sido capaces de incorporarse como seres humanos al devenir social y que considero basculan entre la ternura y la ironía.

¿ Mujeres blancas versus mujeres negras?
Por contraponer situaciones que escapan lo cotidiano, lo que percibimos día a día aunque al final, el producto de la marginalidad, sea el mismo.

Tus hilos son muy evidentes.
Busco materiales cotidianos relacionados y que permitan múltiples lecturas quiero provocar la participación, la relectura del mismo asunto, sería como una invitación para volver a pensar, para ver con otra mirada.

En tus lienzos las mujeres aparecen alineadas, agrupadas, individualizadas, desorientadas.
Desde luego, es como yo las veo.

Colocadas en un paraíso ora ordenado, ora disperso, sujetas o atadas con infinitos, múltiples hilos. Las mujeres – muñeca, blancas o negras, siguen un ritmo sincopado como en una hermosa melodía repetitiva, acompasada, prevista para ejecutar una danza sobre el lienzo blanco, inmaculado. Repetidas como máscaras, sujetas siempre, a veces con más evidencia que otras.

Anomia de seres sin rostro, enmarañadas en la invisible tela que teje el tiempo y el olvido. Muñecas rotas, suspendidas en el vacío, por ataduras cortas, firmes, colocadas en un universo pleno de geometrías, matemáticas del silencio. Algunas dejan tras de sí un reguero rojo, como de sangre, sufrimiento cósmico que se pierde en el tiempo, mujer madre, mujer viuda. Las veo todos los días, llorando la muerte detrás del fusil que nunca empuñaron. Son las que me duelen, las que me parten el corazón, las que acompaño en el llanto y en el grito, las que no entienden lo que yo tampoco comprendo. A las que consolaría en su tragedia.

Las encuentro ordenadas geométricamente, en un puzzle previsto, encajando como partes de un todo, como engranajes de un esquema, cuando uno falla se decompone la figura.

Mujeres de patio escolar, infantilizadas, muñequitas ordenadas escrupulosamente siguiendo las reglas. Sempiterna y educada sonrisa, asentimiento por norma, ni una nota discordante, ni una palabra de más o de menos, perfección. Maestras del silencio. Preciosas muñecas con premio.

Algunas, discordantes, siguen un camino marcado, ataduras sutiles que no siguen un patrón, hilos modernos, seda acrílica. Caravana sin dromedarios tras la estrella fugaz. Búsqueda del sentido del amor, del placer, del encuentro personal, la opción infinita. Al final, pocas verdades.

Mujeres agrupadas, sin contacto, cada una en su rincón, cada una con sus enganches. Mujeres atadas, bien atadas, hilos de oro. Mujeres con color, ocultas en la red, sin rostro, sin cuerpo, sin nada, aunque, me consta, sonríen con dientes de leche y miel. Mujeres con paisaje o paisaje con figuras. Fondo abstracto, cambiante. En uno el color se desvanece como en un fundido, en el otro, el fondo en rojo ocre, como pintura parietal. Desde siempre la mujer de la cueva.

Con cartones – residuo que atesoraron perfumes, mujeres sin cuerda, distribuidas al azar, Olimpo de Atenea. Entra la luz, el color, el olor, el rostro y el espejo. Manteniendo un estético orden, o depositadas en el lienzo, tal cual, como cayeron de la mano de la artista, brillan con luz de neón. No hay dos iguales. Conquista del verbo y de la palabra.

A final me quedo con tres, al fondo un sol negro, una hecatombe, pero ahí están y son la trinidad en femenino, triángulo con vértices. Existiendo, resistiendo. Compartiendo pasado, enhebrando futuro. Mujeres.

Purificación Santana
5 - 6 - 2006

PILAR RODILES EXHIBE EN LA GALERÍA LUROA

2006-06-01T20:31:00.000+01:00

PILAR RODILES EXHIBE EN LA GALERÍA LUROA SU SERIE MUJERES DE PORCELANA

Mujer inquieta y reflexiva en su quehacer artístico. Concibe su trabajo como acción del entendimiento y como apasionada deliberación sobre la temática que aborda. Su interés, centrado en temas que redefine en cada nueva exposición, se articula alrededor de sus preocupaciones actuales: la mujer, la inmigración, la ciudad. Comprometida por tanto con temas difíciles, cree que su obra no puede quedar en la mera representación porque cohabita en un tiempo y un espacio real un mundo que le interesa y le preocupa.

En “Mujeres de Porcelana” continua profundizando en el asunto que ya inició en su serie “Anmaría”. En aquella se centró en la mujer africana, acercándose a una cultura extraña con los ojos de una occidental. Realidad que conoce perfectamente ya que pasó buena parte de su infancia en Tetuán. Consciente del punto de partida, se interesó por las ceremonias nupciales del Norte de África y por ese juego simbólico de presencia – ausencia de la novia cubierta y oculta tras brillantes ropajes. Doble metáfora de las mujeres anónimas, pobres y fecundas a la vez, aderezadas y disimuladas para la ceremonia de la entrega.

En este proyecto la mirada se vuelve a occidente, nos interroga sobre la condición femenina desde el mundo de la riqueza en el que se puede constatar el avance en la consideración de los derechos de la mujer. Para ello estructura su discurso estético en dos bloques: Mujeres de Porcelana y Miles de Looks.

En “Mujeres de Porcelana”, las figuras se modelan con esta pasta. Material frágil en apariencia pero consistente en profundidad. Colocadas en un paraíso ordenado, o disperso, sus figuras aparecen sujetas o atadas con múltiples hilos. Son las mujeres – muñeca, blancas o negras, que siguen un ritmo sincopado como en una hermosa melodía, prevista para ejecutar una danza sobre el lienzo blanco, repetidas como máscaras, trabadas siempre, a veces con más evidencia que otras. Seres sin rostro, enmarañadas en una invisible tela que se ha ido tejiendo a lo largo del tiempo. En otros sus muñecas están también suspendidas en el vacío, colocadas en un universo pleno de geometrías. Algunas dejan tras de sí un reguero rojo, expresando el sufrimiento de las mujeres madre, las mujeres viudas como expresión del dolor y de la pérdida. Tal vez se trate de los llamados daños colaterales o del hecho de dar, de crear vida, una vez más las sugerencias pueden ser múltiples.

También las encontramos ordenadas geométricamente, como en un rompecabezas, encajando como partes de un todo, como engranajes de un esquema, como muñequitas ordenadas siguiendo las reglas escrupulosamente. Mujeres de patio escolar, infantilizadas como preciosas polichinelas. Otras inmovilizadas con ataduras sutiles, sin seguir un patrón, paralizadas por hilos modernos, al fin y al cabo se trata sólo de vínculos remozados. No olvida a las mujeres de color, ocultas en auténticas marañas de alambre con el que aparecen confundidas para contraponer situaciones que escapan a lo cotidiano, lo que percibimos día a día porque, al final, el producto de la marginalidad es el mismo.

En “Miles de looks” se vale de cartones reciclados procedentes de envoltorios de perfumes. Mediante este procedimiento, como en un tratado para una ecología del lujo, representa otras mujeres. Manteniendo un estético orden, o depositadas en el lienzo, tal cual, como cayeron de la mano de la artista, brillan como si las iluminara la luz de un neón. No hay dos iguales. Reivindican el derecho a la expresión única, particular y generacional. Son las mujeres que han accedido a los bienes políticos y culturales como ciudadanas de pleno derecho de las que, incluso se afirma, inauguran su siglo. No renuncian al derecho a ser en sí y para sí porque comienzan a encontrar un lugar desde el que incorporarse a su comunidad con un bagaje único y personal, más allá de modas o discursos que han pretendido ofrecer recetas de modernidad. Interpretaciones totalitarias de lo que debe ser, de como debe ser considerada y escenificada la condición femenina.

¿Entonces que nos plantea Pilar Rodiles? Con unos materiales extraídos de la vida cotidiana ha confeccionado unos cuadros que permiten múltiples lecturas para provocar la participación, la relectura del mismo asunto, para volver a pensar, para ver con otra mirada.

Una exposición que merece no sólo ser vista sino, sobre todo, ser desarrollada. Una invitación tanto a la deliberación como al goce plástico. Un trabajo con una fuerte carga conceptual, rica en ideas y sugerencias, plena de significados por desentrañar. Porque no existe un único discurso, un único punto de vista, porque entender y comprender son categorías del pensamiento a las que sólo se accede desde la consideración del objeto como complejo, múltiple y variado. Porque su autora ha decidido implicarse firmando un pacto de responsabilidad con la sociedad y el mundo que transita y porque desde sus telas nos invita a seguirla por este apasionante camino.

Purificación Santana Pérez

Catedrática de Historia

Presentación de Alharafish

2006-05-02T18:23:00.000+01:00

El pasado jueves 20 de abril de 2006, se presentaron dos nuevos poemarios de Al-harafishedita, editorial de la revista Alharafish

El acto fue presentado por Macarena editora de Al-harafishedita, que junto a sus dós autores, José Olivares y Berbel, y el público asistente, disfrutaron de una lectura colectiva de los poemas contenidos en dichas publicaciomnes.

Los participantes, rodeado de los cuadros de Marian Moratinos, disfrutaron de una agradable velada, que con seguridad se volverá a repetir para satisfacción de los amantes de la literatura y el arte.

Los libros presentados fueron:

TEORIA DEL GOZO, de José Olivares, dentro de su colección erótica vías carnales
CODIGO DE BARRAS, de Berbel.

Al-harafishedita en Luroa

2006-04-20T19:27:00.000+01:00

Al-harafishedita, editorial de la revista Alharafish; presenta dos nuevos poemarios:

TEORIA DEL GOZO,

de José Olivares, dentro de su colección erótica vías carnales

Y

CODIGO DE BARRAS,

de Berbel.

La presentación se realizará en la Galería de Arte Luroa, el jueves, 20 de abril de 2006 a las 20:00 horas.

Berbel. (Canarias). Lda. en Filología. Pintora. Directora y guionista de cine. Ilustradora y fotógrafa. Alumna de la Escuela “Luján Pérez”. Fue miembro de la revista La Plazuela Las Letras. Pertenece a la Asoc.de Escritores Canarios Le Canariens y AICAV. Colaboradora de la Sala Canaria de la Biblioteca Nacional de la Habana (Cuba). Participa en revistas culturales y en la prensa (nacional e internacional). Obras: 9 poemarios, (6 indiv.) y 8 libros de narraciones breves (1 indiv.). 47 exposiciones (de pintura, fotografía, talla y cerámica). 4 guiones y 2 cortos. Ilustraciones para 9 libros de escritores (canarios y extranjeros).

José Olivares nace y reside actualmente en Las Palmas de G.C.Es poeta y cultiva el inédito como una flor de invernadero.Ha publicado versos y poemas y también cultiva el silencio.Entra en el libro y sale de él como si pernoctara en una tumba.Escribe envuelto en el vaho flotante del culto a Baco. Sabe que un verso exige al menos una gota de sangre Y huye del sol que, exhausto, cocina las ideas.

Alharafish, nace en el año 1997, como un espacio alternativo, donde artistas de distintas disciplinas, pudieran mostrar sus propuestas. Ante la escasez de lugares o publicaciones independientes, donde se diera libertad para la creación, un grupo de artistas proponen el proyecto Alharafish.

Ortuño virtual (Gabriel Ortuño)

2006-03-29T11:54:00.000+01:00

Colgamos a continuación el texto elaborado por el artista Gabriel Ortuño, que se incluía en catálogo de la exposición "Plastico" de dicho autor

"Este escenario particular intenta reflexionar acerca del Plástico como materia prima, y la interacción de la luz en determinados objetos, que ocasionalmente flotan a la deriva de las ideas que los arrastranTratados técnicamente a la manera pop, reflejan un paisaje metafísico, en un paréntesis de quietud post-industrial, que ayuda a reflexionar también, y por qué no, sobre la belleza de lo artificialGrandes naves, casi de textura de juguete de niño, se desplazan lentamente al son de la marea, reflejando la potencia de la luz atlántica, e incidiendo en alguna pequeña porción de color sin etiquetar. Trozos rojos triangulares preservan su espacio antes de ser invadidos por la tipografía comercial y publicitaria, al mismo tiempo que relacionan su textura con la era digital, alejándose temporalmente de facturas ec/éctico-informalistas, muy usadas como soporte donde apoyar el icono del gesto controlado, de lo aparentemente espontáneo.Una obra que también reflexiona e investiga sobre la realidad del nuevo siglo, a partir de los revestimientos de los nuevos materiales que visten la, por ahora, necesaria estructura de cemento, y que utiliza esta manera nueva de construir para viajar por el mar de las posibilidades de la imagen, recreando escenarios de arquitecturas imposibles, que a lo mejor nos llevan a pequeñas verdades poéticas más allá de su funcionalidad lógica. Mundos paralelos de superestructuras de hormigón armado revestidas de plaquetas sintéticas y divididas en secciones, (preparadas para sustituirse ante su deterioro) intentan engañar el paso del tiempo, jugando con lo inevitable.En definitiva, hablamos de imágenes construidas al amparo de la electricidad, el petróleo, y otras fuentes energéticas ya tradicionales (que nos recuerdan que en algún momento, no muy tardío, llegarán a su fin). Imágenes para hacemos soñar con el futuro y con el pasado a través de un silencio escénico. posicionando la óptica del espectador en una especie de gruta, a media luz, hecha de plástico avanzado, en la que sin saber por qué observamos desde la seguridad relativa de la esquina o cueva arcaica.."

Gabriel Ortuño: Aquel mar de esta orilla

2006-03-29T11:50:00.000+01:00

Recientemente salió publicado el nº 1 de la revista Contemporanea, la cual realiza un extenso reportaje a la obra de Gabriel Ortuño, "PlásticoII", recientemente expuesta en Luroa galería de arte.

Colgamos dicho artículo en su totalidad, y les recomendamos la adquisición de la misma, dado el variado número de artículos publicados de gran interés.

El pasado 27 de enero Gabriel Ortuño presentaba su última producción, PLastico, en la galería Luroa de Las Palmas de Gran Canaria

y. paralelamente, asevera el antropólogo italiano Remo Guidieri: "El sedentario es un necio nómada que funda un hogar; desvaría en círculos, arrastrando los pies", Ese movimiento indeleble y ese nomadismo como prioridades éticas y estéticas podrían ilustrar muy bien el itinerario pictórico de Gabriel Ortuño (Las Palmas de Gran Canaria, 1961), fraguado muchas veces a través de múltiples indagaciones; pero, sobre todo, sincrónicamente, constituyen el eje -fugitivo, fronterizo- de su nueva serie, Plástico, expuesta la pasada primavera en Berlín, con presentación de Jerónimo Saavedra, y que está en la línea de la muestra que el pintor exhibe, hasta el 24 de febrero, en la galería Luroa de Las Palmas de Gran Canaria

Nunca sabremos, por lo pronto, si son amaneceres o puestas de sollo que se cierne sobre esta serie de acrílicos marinos, compuestos a la vez de agua esencial y plastificada, como tampoco podemos testificar, a partir de la orilla escurridiza en que se inscribe, si detrás de los biombos recurrentes (tabiques, toldos playeros, antifaces, goznes industriales, barrotes, mapas, eclipses, ojos de buey, trajes de buzo, sombras chinescas, decorados de carnaval veneciano, señales aeroportuarias...) se encuentra el comienzo de la vida terrestre, según la percibimos los espectadores encaramados desde el agua, o es, por el contrario, el horizonte marino quien se aproxima hacia la tierra firme detrás de nuestros ojos. Tan sólo orilla y ligereza -en el sentido de verticalidad o levitación, del movimiento perpetuo a que aludíamos al comienzo- constituyen los dos únicos reconocibles parámetros de estos lienzos, rellenables luego de objetos y colores indistintos; o más aún: de objetos, encendidos o tiznados, que dan todo el color al cuadro, y de colores plenamente perfilados, hasta devenir ellos mismos en objetos animados.

A partir de este trastrueque elemental, se instaura aquí una total ausencia de jerarquía (algo que para el cubano Severo Sarduy es, por cierto, una característica privativa de la luz insular, a través de la cual cada objeto deviene enumerativamente, sin escalas ni prioridad, de un modo intercambiable, en lo que la isla es), y, por ende, se cancelan los binomios maniqueos. Objeto y color, orilla y verticalidad, agua esencialista y matérica, tonos encendidos y en penumbra, amanecida y puesta de sol -por citar tan sólo algunos de los binomios que ya han salido a colación- se presentan, así, como un continuismo completamente reversible, para ofrecer, en el conjunto de la muestra, un universo infinitamente especular, de un azogue a la vez irónico y cálido, lúdico y sobrio, de un armónico color chillón, con un ánimo por igual estilizado y risueño, y en el que se intercambian mutuamente, en el plano formal, lo conceptual y lo figurativo

No hay, sobre todo, un afuera y un adentro en estos cuadros: entre el ojo y el horizonte del cuadro, en correlación con la citada posición indistinta de la costa y el agua; o también, a través de una suerte de recurrente vidriera, como en un panóptico de muñecas rusas encajadas, entre la orilla y el horizonte, entre el ojo y la costa del marco, o entre el estudio del pintor y la intemperie playera. Del mismo modo, fluye un continuismo de todos los elementos aparentemente contrapuestos: entre el ángulo recto y la curvatura; entre la lisura negra o marina y los trazos encendidos; entre la abstracción y la figura; entre el mar y la boya; entre el colorido y el silencio... y así sucesivamente, a partir de una capital abolición de fronteras, que rige todo lo demás: entre representación analógica y representación digital.

Pues, en efecto, una de las características más originales de esta propuesta de Gabriel Ortuño es el vínculo que establece entre la nueva imaginería cibernética y las clásicas figuraciones analógicas, con trazos y coloridos que recuerdan, por ejemplo, a una cierta psicodelia y a un pop-art residual. Y para ello, ningún espacio más propicio que la orilla-paleta marina, ese horizonte infinitamente especular. Si, en lo temporal, Ortuño establece un sugerente juego "paleofuturista" señales digitales que provienen de una ancestral pintura analógica - , el mensaje se refuerza con la recurrente utilización - hasta "globalizarlo" por igual desfondamiento- de un mismo punto fijo del paisaje netamente insular canario, como es la orilla marina. Es decir: así como se llega a lo digital desde lo analógico, se llega paralelamente a lo global a partir de lo local, como si los biombos, tabiques y demás figuraciones fuesen los restos fantasmal es en la demolición de esa sabia definición de lo universal como "lo local sin paredes".

Porque, en efecto, el paisaje es, a primera vista, netamente isleño: antes incluso que la evidente figuración de la orilla playera, la serie parece remitir a esos polígonos forrados de plástico que se divisan al llegar a la Isla por el aire: espejeantes invernaderos de tomates, cuyos fogonazos se confunden, muchas veces, con las próximas refracciones marinas. Algunos de estos lienzos, con el recurrente color encarnado, podrían devenir en radiografías de esas casetas plastificadas, al tiempo que nos remiten a los polígonos industriales y grandes superficies que bordean la carretera del Sur de la isla, con sus máculas de cemento, manchas de grasa o chirriantes compuertas de almacén, como un escollo a la neta contemplación del agua, y que aquí, justamente, a través de una estilizada y cromática coreografía de cartón-piedra, se desdramatizan. Es un tema, por cierto, muy caro a ciertas poéticas canarias recientes: el vaciado del ancestral tremendismo marino, en pos de una luminosidad que deje, al menos, en tablas la partida. Contemplando estos acrüicos de Ortuño vienen a la mente - mas que sean trastocadas por algún escáner o por los tubos a voleo de la pintura psicodélica- ciertas figuras emblemáticas del poeta Manuel Padorno, como que "el mar es una larga carretera" o "todas las uvas chillan en el fondo del mar" o, vislumbrados tras los tabiques y las máculas, "el árbol de la luz" o "hermoso taller el agua". Si Agustín Espinosa profería con sumo agobio "En aquella isla salía y se ponía el Sol a la misma hora", aquí se nos pinta con mansa neutralidad, u objetiva voluntad de información cibernética, esa indistinción

Tan sólo orilla y verticalidad, señalábamos antes como las dos reconocibles coordenadas del chasis de estos lienzos. Pues bien, como observó en su día Lezama Lima, es justamente ahí, en "la resaca marina", en la orilla playera (con todas sus esquirlas y alquitranes procedentes de otras latitudes, y que, de algún modo, tienen su cabida en estos cuadros) donde se sitúa el verdadero centro espacial de la identidad isleña. Y como observó, opuestamente, por los mismos años 30 del siglo pasado, el ensayista tinerfeño Andrés de Lorenzo-Cáceres, en su "Isla de promisión", es en los "espacios verticales" del interior de las islas donde se halla el centro de gravitación de la vida insular. Ambas dimensiones se complementan y mutuamente se refuerzan en la imaginería de esta serie de Gabriel Ortuño. Porque, en efecto, al espacio claramente litoral con vocación de lontananza en que se inscribe, se le superponen formas alzadas, figuraciones o manchas con tendencia a la verticalidad, y a veces, incluso, levitantes. Sobre esa unitaria gestalt en la concepción espacial, se sincronizan, acto seguido, la mirada cibernética y la mirada analógica del mar, como la gran orilla de arena movediza en que cabe situar esta muestra. Sólo que, para remarcarla, se invierte el proceso habitual: cuanto parece manchas marinas salidas a voleo por computadora procede del esfuerzo analógico del clásico estudio de un pintor. Como si el modelo imitara al cuadro, la pintura imita aquí al ordenador. No hay otra diferencia entre uno y otro mar que la de ir rasgando o deshaciendo los Plásticos... O en todo caso, desde el eje nómada y fugitivo a que aludíamos al principio, en una infinita reiteración serializada, nos damos de bruces con aquel mar (analógico) de esta orilla (digital), con aquel mar (global) de esta orilla (local), o viceversa, pero una y otra vez, con aquel mar de esta orilla...

Artículo publicado en la revista Contemporanea, escrito por Antonio Puente

Jorge Ortega, expone en Luroa

2006-03-14T18:20:00.000Z

Masculino -- Bottom
Femenino -- herrschen
Adán -- Eva
Str8 -- Süβ
Luxe -- moderno
Decorativo-- trascendente

El pasado 10 de marzo se inauguró en la galería Luroa situada en la C/ Perdomo nª 10 en el Pasaje Comercial, la exposición individual del pintor Jorge Ortega presentada bajo el complejo titulo que arriba aparece, y que podremos visitar hasta el 7 de Abril Y a mediados de ella la presentación de la carpeta gráfica realizada con motivo de esta individual.

Un grupo de cuadros que nos proponen, una y otra vez una imagen de lo femenino y lo masculino. Como un Adán y Eva. Repitiendo de un cuadro a otro esta intención- intentar volver a pintar, volver a ver como nuevo este ejercicio de definición-.
Lo masculino y lo femenino existen como lenguaje performativo
Ella delgada, cool, seductora, pasiva, confiada ..
Él delgado, deportista, atento, activo dispuesto a mostrar su fuerza..

Pero como suele suceder cuando contemplamos la exposición y pasamos de un cuadro a otro, nos queda ese ruido, que nos da la certeza de un contenido y su imposibilidad de llevarlo más allá de esa sugerencia. La pintura tiene esa presencia retardada Time goes back so slowly .Un cuerpo desnudo, al que deberíamos tratar de vestido.

Naked/Nude El primero referido a la desnudez obscena, aquella que no oculta su deseo de no ver más allá de lo que se muestra, ajeno a ideales, que dirijan nuestra mirada. Nude es la belleza de la desnudez vestida, envuelta en su representación, en el clasicismo, en la norma, en lo cultural… Naked porque podían ser cualquiera- desead@-.Nude porque la pintura nos distancia a lo cultural. Referente del que contempla.

Vivimos rodeados de imágenes construidas, y más allá del hecho de que haya una intencionalidad está la evidencia de una estructura que damos como dada.
Continuando modelos, sirviéndonos de ejemplo, como una representación añadida. Hay algo en la pose elegida, en los complementos, que atan estos modelos a una representación.

Pero no olvidemos que nos encontramos ante pintura y todo lo que allí se propone queda disuelto en ese lenguaje lleno de belleza y virtuosismo. Y como suele suceder en los cuadros que nos presenta Jorge Ortega, la relación entre los contenidos que han ido construyendo los cuadros y el disfrute de la realización técnica de su pintura, no se contradicen y nos sitúan siempre en un disfrute que parece cuestionar nuestros prejuicios que determinan cual es el aspecto y los contenidos correctos cuando hablamos de pintura.

Jorge Ortega en Alemania

2006-02-24T18:46:00.000Z

El próximo tres de Marzo el artista Jorge Ortega presentará en Göttingen, una exposición individual en el espacio "Global Praxis proyect"; la exposición permanecerá abierta durante todo el mes de Marzo, con un programa de actividades paralelas.

Jorge Ortega que participó en el pasado supermercado del Arte de Luroa; será el artista invitado a exponer en esta galería.

Fisco crea su bitácora

2006-02-13T11:51:00.000Z

El artista plástico Francisco Javier López Pereira, más conocido como Fisco; inició el pasado 5 de febrero su bitácora Estrategavisual; en ella este "artista que intenta sobrevivir del arte" como se autodefine en su bitácora, nos presentará sus trabajos y sus reflexiones sobre el arte, con referencia especial al realizado en La Laguna, ciudad donde reside.

Francisco Javier López Pereira, participó en el pasado Supermercado del Arte en la galería Luroa, destacando sobre todo sus cartas marinas, y lo podremos ver posiblemente con una exposición individual a principios del próximo año en esta galería.

El artista coincidió con nosotros en Madrid, aquí podemos verlo en la pasada edición de Arco, en compañía de Miriam Moratinos, artista mallorquina que expondrá en Luroa, el próximo mes de marzo.

Esperando ver su próxima exposición individual, le animamos a continuar en este mundo de la Blogsfera.

Gabriel Ortuño presenta "Plásticos II"

2006-02-02T08:44:00.000Z

El pasado 27 de Enero se inauguro la exposición "Plásticos II" del artista Gran Canario Gabriel Ortuño.
Tras exhibir su serie "Plasticos" en la Biblioteca Nacional de Berlin, Gabriel Ortuño retoma en su pintura el tema de los paisajes cargados de reflejos, color y mar en esta nueva exposición denominada "Plásticos II"

Sus obras se incluyen en los fondos del Centro Wilfredo Lam, en Cuba; el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), la Colección Gobierno de Canarias, La Caixa, los Fondos de La Caja de Canarias y colecciones particulares.

Tratados técnicamente a la manera pop, reflejan un paisaje metafísico, en un paréntesis de quietud post-industrial, que ayuda a reflexionar también, y por qué no, sobre la belleza de lo artificial..." (Gabriel Ortuño)

Además de los cuadros expuestos, el visitante puede adquirir una carpeta con cuatro litografías del autor, editadas expresamente para esta exposición.

Un año de exposiciones

2006-02-01T20:09:00.000Z

El pasado 28 de enero Luroa cumplia un año de apertura en nuestra capital.

Con unas 10 exposiciones celebradas a lo largo de todo el año 2005, finlizo el mismo con el supermercado del Arte; en este participaron 25 artistas con más de 500 obras con precios entre 30 y 120 euros.

Una vez finlizada la época de Navidad, y coincidiendo casi con su aniversario de apertura, se inauguró la exposición "Plastico II" de Gabriel Ortuño, que permanecerá abierta hasta el 24 de febrero.

Supermercado del arte amplia su cierre

2006-01-07T18:20:00.000Z

Debido al exito de nuestro supermercado del arte y ante la petición de muchos de nuestros visitantes, el supermercado del arte 2005, amplia su tiempo de exposición hasta el próximo viernes 13 de Enero

Les recordamos que nuestros horariuos son de 10:30 a 13:30h. y de 17:00 a 20:30h.

Les esperamos

Supermercado del arte en la prensa

2005-12-26T22:18:00.000Z

La última muestra en la Galería, recibe amplia difusión en los medios

Canarias ahora: arte para todos los bolsillos (Jueves, 22 de diciembre de 2005)

La Provincia: Ámbito Cultural y la Galería Luroa organizan mercados de obras de arte contemporáneo (Lunes, 26 de Diciembre de 2005 )

Canarias 7: El supermercado del arte vuelve a la capital de la mano de Luroa (Jueves, 5 de enero de 2006)

Televisión Canaria: Informativo 20:30

Televisión Española en Canarias: Informativo

Exposiciones en Las Palmas

2005-12-26T18:28:00.000Z

En estas fechas de Navidad no solo podemos contemplar belenes, también el arte tiene su espacio. En estas expoiciones que se pueden visitar en estos días en nuestra ciudad también podemos contemplar obra de los artistas que venden en nuestro supermercado del arte; así podemos ver:

Frutos de la Tierra, con obras de :

Jorge Ortega
Máximo Riol
Juan Marqués
Gabriel Ortuño (proxima exposición de la gtalería)

Canarias, ¿el arte puede morir? , con la participación de:

Aurora Ramón

La Tierra de los sueños, exposición individual de:

Jero Maldonado

Y ya fuera de las islas, concretamente en Camargo-Cantabria, ESPACIO C, en la exposición "Periferias", con su instalación "Límites en tránsito":

José Luzardo

informacio suministrada por La Casa de Babel

Supermercado del arte 2005

2005-12-20T00:17:00.000Z

Mas de 20 artistas venderán sus obras de arte con precios que oscilan entre los 30 y los 120 euros

La Galería de Arte Luroa en Las Palmas de Gran Canaria continua con la celebración del tradicional Supermercado del arte; una original iniciativa con motivo de las fiestas Navideñas que comenzó su actividad en el Hotel Madrid de la capital Gran Canaria de la mano del artista plástico Jose Ruiz y que desde hace tres años viene desarrollando el equipo de Luroa.

Desde hoy mismo, y hasta el próximo 5 de enero, los coleccionistas de arte están de enhorabuena, ya que una veintena de artistas de distintas disciplinas venderán más de 500 obras de arte a precios de saldo con el objetivo de impulsar el coleccionismo de arte en Canarias ofreciendo interesantes colecciones de gran valor a precios informales. Una oportunidad única de tener una pintura original de artistas de la talla de Juan Marques, Juan Betancor, Máximo Riol, Jerónimo Maldonado entre otros artistas de talla y prestigio reconocido. Estas obras enriquecerán las casas de todo el que aprecie el arte en nuestras islas y son un valor de revalorización segura desde el mismo momento en que salen de la sala.

Luroa Galería de arte ofrece una vez más la oportunidad de tener una obra de arte sin necesidad de desembolsar gran cantidad

La relación de artistas participantes es la siguiente:

Alfonso Crujera
Aurora Romon
Beat Steffan
Conchy Rivero Rivero
Francisco Javier Lopez Pereira
Germán Páez
Jero Maldonado
Jorge Ortega
José Mª Ruíz Ruíz
José Luzardo
José H. Naranjo
Jose Riquelme Barrios Álvarez
Jose Rosales
Juan Baéz Melián
Juan Betancourt
Juanfra Ojeda
Juan Marques
Luis Galán
Magin Pérez Ortiz
Máximo Riol
Paqui Martín
Pilar Rodiles
Thara Sarmiento
Thierry Jeffroy
Víctor Sicilia
Vicente Bruñó

Algunos de los artistas participantes

Todas las obras que exponen estos artistas tienen un coste de 30, 60, 90 ó 120 euros

Te invitamos a visitar la exposición que estará abierta hasta el 5 de enero.

Encuentro de Galerías en el CAAM

2005-12-11T02:05:00.000Z

Luroa participa en el encuentro de galerías celebrado en el CAAM y organizado por Proa.

Entre los días 5 y 7 de diciembre se realizó un encuentro nacional de galerías de arte contemporáneo en el Centro Atlántico de Arte Moderno (C.A.A.M.) en Las Palmas de Gran Canaria

Los encuentros son una producción de PROA S.L., empresa relacionada con la Galería Manuel Ojeda

ampliar información en La Casa de Babel

Un año de exposición en canarias

2005-11-24T09:50:00.000Z

El 28 de enero de este año la galería de arte LUROA, abrio sus puertas en la zona comercial de Triana, concretamente en el pasaje de la calle Perdomo.

Octavio, Sabina y Bernardo (socios de LUROA) con Juan Marqués

Durante un año han pasado artistas de muy diverso tipo:

Juan Marqués (28 de Enero al 21 de Febrero)
Máximo Riol (25 de Febrero al 28 de Marzo // 21 Octubre al 8 de Noviembre)
José María Ruíz Ruíz (8 de Abril al 6 de Mayo)
Criatian Lapusan (12 de Mayo al 10 de Junio)
Juan Francisco Ojeda (17 de Junio al 15 de Julio)
Vicente Bruñó (23 de Septiembre al 20 de Octubre)
José Rosales (11 de Noviembre al 9 de Diciembre)

Finalizando el año y ya cerca las navidades termina su primera fase con el supermercado del arte, con la participación de unos 20 artistas.

Tras esta etapa creo llegado el momento de abrir su espacio a la crítica y valoración, también en la web; es por ello que nace esta bitácora, abierta a la opinión, el debate, y todo lo que los navegadores de la web quieran aportar.

Te damos la bienvenida a LUROA arte en canarias; participa con tu opinión

Jose Rosales

2005-11-24T00:01:00.000Z

Artista canrio nacido en el año 59, miembro del Grupo multidisciplinar 3TT desde 1986.

Artista multidisciplinar, junto con 3TT, fue de los primeros en trabajar la videocreación y las instalaciones en canarias.

Jose Rosales

Uno de los promotores de "Los ejercicios espirituales" en Bañaderos (1992,1993), así como los encuentros de arte en Telde "Casas de Colores". Forma parte del grupo fundador de "El Salón" en Telde.

En su última exposición reivindica la pintura en sus múltiples facetas (incluida el pintar con luces).

Su obra se encuentra recogida en diversas páginas web:

enlaces relacionados: Jose Rosales (PintaderArt)
El jardin de Rosales (La Casas de Babel)
Para un jardín eterno (Sergio Dóminguez Jaén; TeldeActualidad)
En el pequeño jardin de Rosales (El Salón)
EXPOSICIÓN DE JOSE ROSALES EN "LUROA" (Revista TARA)
San Borondon: Deseo de regreso (PintaderArt)
San Borondón: Deseo de regreso (Revista TARA)

Luroa Club de Arte

2005-11-23T23:35:00.000Z

La galería luroa pone en marcha un club de inversión en arte

La idea es que el dinero no sea un impedimento para poder adquirir una obra de arte. Los 30 socios del joven Club de Inversión en Arte depositan una cuota mensual que algún día podrán canjear por la obra de arte de la Galería Luroa que despierte su deseo.

Publicado por Carmen Delia Aranda en Canarias 7

Juanfra Ojeda

2005-11-23T22:48:00.000Z

Inició sus estudios en la Escuela de arte Luján Pérez, en Las Palmas de Gran Canaria en el año 1980; ya entre los años 1994 y 1999 realiza sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, pudiendo contemplar en la exposición de LUROA, parte del trabajo fin de carrera que le reportó una muy buena calificación.

JuanFra con Bernardo inaugurando la exposición

Pese a su juventud y escasas exposiciones individuales es un artista al que sería interesante seguír, ya que seguro nos seguirá sorprendiendo

enlaces relacionados: artebaladí - juanfra OJEDA

Vicente Bruñó

2005-11-23T22:23:00.000Z

Nacido en Torreblanca, Castellón en el año 48, pero reside en nuestras islas desde hace casi 30 años; donde imparte sus conocimientos a los alumnos de la Escuela de Arte de Gran Canaria en la modalidad de Dibujo.

Vicente justo antes de la exposición

Estudia pintura y grabado en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, ampliando sus estudios de pintura-escultura en París a Lecóle Superier des Beaux Arts, posteriormente reside en Londres, recalando finalmente en Gran Canaria.

A lo largo de su carrera artística es premiado varias veces en diversos concursos de pintura, diseño y fotografía. Su conocimientos en las diferentes ramas artístisticas, los exterioriza como profesor en diversos centros, donde es admirado y reconocido, no solo por su saber hacer sino por su encantador caracter y predisposición a enseñar lo aprendido en su extensa vida profesional.

enlaces relacionados: Luroa inicia su temporada con VICENTEBRUÑODIBUJO
Exposición en la Galería de Pintaderart.com

Cristian Lapusan

2005-11-23T22:12:00.000Z

Cristian, nació en Rumanía hace 28 años, y tras licenciarse en la Universidad, pasó a realizar numerosos trabajos de investigación y desarrollo artístico en diferentes países europeos como Italia, Alemania, Suiza y Francia. Ahora, y en su primera incursión en el panorama artístico español apuesta por presentar su nuevo y brillante trabajo en Luroa Galería de Arte en Las Palmas de Gran Canaria.

Lapusan con los Galeristas

Lapusan no sólo es un reconocido artista joven - ha ganado importantes premios, ha estado en la Art expo de New York y tiene varias exposiciones en grandes galerías americanas, principalmente Chicago - sino que es además un gran humanista; él entrega en sus obras su corazón intentando que sus piezas puedan alegrar a otros.

enlaces relacionados: Lapusan en Canarias

Ruiz Ruiz

2005-11-23T21:51:00.000Z

Ruiz Ruiz nació en Guadalajara hace 34 años, aunque desde muy joven decidió vivir en Tenerife donde termino sus estudios en Bellas Artes en 1998 y tras la finalización de su tesis doctoral “Composición y niveles. Aproximación a una metodología para el análisis de la imagen” decidió viajar a Amberes donde se graduó en el Instituto Superior de Bellas Artes de Flanders (H.I.S.K). Bélgica.

Ruíz Ruíz en su inauguración

Este pintor tiene un talento sobresaliente para la pintura y con sus 34 años se destaca como uno de los pintores con más proyección en nuestra tierra.

enlaces relacionados: RUIZ RUIZ EXPONE SU OBRA “PROCESS@PASTICHE@JOURNEY” EN LUROA

AH, PERO... ¿TENÍAN LAS MENINAS INTENCIÓN DE OCULTAR ALGO?

2005-10-25T20:20:00.000+01:00

Que el cuadro 'Las Meninas', obra del pintor barroco español Diego de Silva y Velázquez, es una de las piezas más emblemáticas de la Historia Universal del Arte y, sobre todo, de la Historia General de la Pintura española nadie, a día de hoy, 10 pone en duda. Que, asimismo, supone un hito dentro de los procesos de evolución de la plástica, desde que fuera pintado, tampoco; con, además, 'su puntito' de misterio, durante los últimos siglos, y la adjudicación, parece que definitiva, al propio Velázquez, de una segunda copia depositada en el Museo de Kingston House (Condado de Dorset, Inglaterra), copia que, durante mucho tiempo, se le adjudicó a su yerno, el también pintor Martínez de Mazo parece, definitivamente, resuelto.

Que es, además, una de las piezas más visitadas por el arte, en general, y los artistas, en particular, del arte contemporáneo y actual es, idénticamente, cierto. Que, asimismo, tantas veces como se ha revisitado se han le hallado nuevas valoraciones, directrices diferenciadas, es indudable. Así, por ejemplo, en el s. XIX, fue Francisco de Goya el primero en acercarse a la obra y establecer sobre ella una valoración distinta, la que esta alcanzaba a través del grabado y el aguafuerte. Y a 10 largo del s. XX, desde que Pablo Picasso, allá por los años 1957-58, tuvo el 'capricho' de entretenerse con ellas y re interpretar una nueva valoración, ha sido causa de numerosas y distintas visitas, tanto individuales como colectivas llegando, incluso, a interpretarse motivo magnificado de una magna colectiva -bajo epígrafe de 'Otras Meninas' - en la que participaron numerosos artistas españoles actuales. Cabe, por ejemplo, recordar que estuvieron presentes en ella artistas de la talla de Eduardo Arroyo, Rafols Casamada, Josep' Guinovart, Robert Llinós, Josep Ma Subirats, Alberto Shommer y otros tantos más, hasta acabar con Manolo Valdés.

Así es, hasta Valdés quien, parece, ha trabado una fijación personal y una relación cerrada con el tema, la estructura y la espacialidad de esta pieza. Ha sido, indudablemente, este artista, escultor en su caso, un de los que más ha insistido en el tema en los últimos años. Recordar también, aún muy fugazmente, que a algunos artistas sudamericanos les ha podido asimismo la atrayente fuerza de esta pieza; traigo a colación los casos concretos de Ángel Muriel, artista argentino actual, que en 2003 confeccionó un gran retablo basando su temática en la pieza histórica; o el caso de Roser Bru, artista chilena de ascendencia catalana que, también en 2003, elaboró un proceso continuado -'Variaciones' tituló al conjunto- sobre dicha misma pieza. Y, cómo no, también ha habido algún artista canario al que le ha podido la grandeza de la pieza y se ha imbuido de su magnetismo, recuerdo ahora el caso, a vuela pluma, del pintor Juan Hemández que, asimismo, sometió el tema a larga meditación y reestructura de valoración.

Por tanto, y ante tanta abundancia recurrente, cada vez más continuada, acaba uno demandándose: ¿qué más resta por hacer, valorar, por desenmascarar, desvelar tal vez, en una obra como 'Las Meninas' ya, tantas veces visada y visitada, revisada y revisitada? Y en esto llegó Máximo Ríol y dejó soltar socarrón... '¡Ah, pero a esas tías nadie les ha levantado aún los faldones!'. Efectivamente, quién iba a osar desvergüenza tan desmedida, descalabro tal; sólo a un irreverente o a un ignorante, que de todo hay, se le ocurre tal zafiedad. 'Bueno, bajemos el tono, y dejémoslo sólo en mero divertimento', replicó el escultor, que no vino a ser otro que el propio Ríol. Pues bien, transcurrido el tiempo prudencial, sin dejar de cejar en su empeño, es con esta conclusión con la que ahora Máximo Riol nos brinda el resultado de su, meritoria y más, 'investigación'. El resultado, la muestra ¿Qué ocultaban las Meninas? y el espacio donde se halla expuesta, la Galería Luroa (LPGC).

Esta vez, definitivamente, Riol se ha pasado. Qué tanto, de memoria y tiempo, estuvo atormentando esta pieza al artista; qué tanto, de intelecto y manufactura, desvalijó en el intento el escultor, para acercarse hasta nosotros con esta cuestión final, soterrada, de ¿qué ocultaban 'las meninas'? y quedarse tan ancho. Es indudable que este propósito encierra algún estado comatoso, de artista desajustado o demencial, que no ha digerido del todo eso que los postmodernos han terminado en llamar 'revisitar la historia del arte para hacer de ella un lugar común'. Sí, común sí, pero de ahí a llegar al lupanar debe de ir algún trecho al menos y no así, tragártelo de sopetón, digo yo. Igual va a resultar que la antigualla aquí es el crítico, que nunca acaba por atisbar que el artista es lo suficientemente libre y hacedor de su propio albedrío como para ir unos cuantos 'quarks' por delante. Ah, ya ven, igual era eso!.

Pues sí, y esta vez más que nunca, visto el resultado y lo 'resultón' de resultado, Máximo Riol ha desbarrado por el divertimento; aquel que provoca que partiendo, como disculpa o premisa, de una de las piezas más exuberantes de la Historia del Arte de todos los tiempos, haya ido a dar con un giro nuevo, una nueva vuelta de tuerca 'aviesa' que acaba hallando, hollando para el caso, sólo aquel que traspasa el santuario de la cosa del arte imbuido del 'hip-hop' del diseño, design para el caso, más feroz y contemporáneo. En efecto, cabe aquí ahora plantearse una seria demanda, y no es coña, eh!, que todo el arte último ha estado por hacerse desde que descubrieron, algunos cuantos, que para hacer eso llamado ARTE, en mayúsculas, ya no se hace necesario, no sólo no saber pintar, esculpir para el caso, no, ya no hace falta ni siquiera conocer cuál ha sido la historia del arte que nos precede y de la que somos descendientes: deudores y/o herederos.

Por eso acierto a ver, ya es mucho, que con esta propuesta, como otros anteriormente, cómo no, el escultor ha abierto, al tiempo, dos vertientes: una, la del necesario conocimiento de nuestra procedencia artística porque sólo así, y a través de ella, se nos permitirá seguir avanzando y, la segunda, y no menos importante, aún por novedosa, que será siempre, y gracias a ese conocimiento de la historia, 10 que nos permitirá, incluso, acercamos y vemos reflejado en ella desde, y sobre todo, el divertimento. O sea, qué divertido es conocer de dónde hemos llegado porque gracias a ello aun nos podremos divertir más: ¿qué sería de nosotros, de nuestro arte, si no se nos permitiera un derrotero como ese? Probablemente, nada: ni arte, ni historia, pero, y 10 que es peor aún, ni el más mínimo asomo de diversión.

Entonces, y entro de lleno en la cuestión para la que he sido requerido y en la que parece me demoro en manera desmedida, 10 que de nuevo y diferencial, a la par que irrespetuoso, nos muestra el escultor Riol radica en ver en una obra de arte como ésta, para la eternidad, rasgos más allá de los valores intrínsecos que la Academia puede constatar. ¿Qué ha hecho, en definitiva, el escultor, que se aparte de la lógica hasta ahora trazada? Pues eso, así de sencillo, tomarse la libertad de "levantarle los faldones a 'las meninas'" y descubrir¬ ah!, descalabro-, que tampoco eran tan 'meninas'. Pero, esa simpleza puede quedarse en sólo un gesto 'gracioso' si no hay algo que nos transporte más allá. Ahí radica la 'gracia' con la que el artista ha sido tocado para hacérnoslo ver.

Esta vez, el escultor, ha hecho el recorrido a la inversa, partiendo desde su tiempo, su época real, se ha asomado a esa ventana de la historia que es 'Las Meninas' para trastocar todo posibilidad de lógica. Porque esa visión es, antes que nada hay que aclarado, sesgada. ¿Interesa al artista la obra en toda su extensión? No, ha contemplado de ella aquel detalle por el que hoyes reconocible. ¿Es su análisis total o igual de generoso para con todo el conjunto?. No, ha entresacado de ella lo que, en apariencia, más sobresale por su evidente distorsión. Ahí, en lo diferencial, sin necesidad de ser escabroso, pero sí contemplado desde la época desde la que el escultor observa, ha fundamentado su discurso. Y lo que es más, armado de las herramientas, fisicas y de pensamiento, de las que le permite disponer su tiempo, entra a saco en 10 que la pieza representa y vuelca la sustancia por la que se obra el giro.

¿De qué disponemos finalmente? ¿Cuál es aquí la nueva oferta? A la vista salta: lo que en la pieza clásica era muestra aparente de relleno, distracción lúdica, si se quiere, del tema dado por central; esta vez ha sido transformado en motivo principal, único, aislado incluso del resto del contexto de la obra, y de su memoria, hasta abocarse no en distracción sino en divertimento focal, por tanto, doblemente lúdico. Qué se visita, qué se re interpreta: ¿la obra? ¿la época? ¿la pintura? ¿al pintor? Todo y nada al tiempo, porque en ello subyace, sin notarse, la condición lúcida: demos historia nueva a la vieja historia sabida ya, contada de las mil maneras por todos, pero nueva en esta manera de oída no de decida: que para el caso presente es, de espaciada no de conteneda.

Y lo que se nos revela, originariamente, como obra nos conduce a la relectura; pero, lo que nos queda, finalmente, como escultura nos aboca a una nueva proposición. Aquí el escultor, para escudriñar en su herencia de la historia, no tiene necesidad de apartarse de su comportamiento y el trazado de su derrotero, bien al contrario, entra en este nuevo proceso cargado, precisamente, de lo que su experiencia como artista le guía y conversa, dialoga, se divierte incluso, dentro de la obra del 'otro' pero sin perder jamás su perspectiva. Así, cuando retorna de ese viaje particular suyo por ese tiempo del arte, 10 que vuelca en la realidad a la que pertenece no es un remedo o una visión diferencial de la obra visitada, no. Nunca. Aportará a la obra releída el trabajo con el que ya partía como precepto.

Pero el artista escudriña, al tiempo que relee, en sí mismo y sabe, desde el umbral, que esa contemplación hacia atrás le va a exigir, asimismo, un giro en su manera de entenderse reflejado en su obra nueva. Y así obtenemos, ¿qué?, 'Meninas' de nuestro tiempo: objeto preceptible de seriación y dimensionados, de decantación a través de la aplicación del color, de teatralización espacial en su nueva condición y, sobre todo, de nuevos recursos estilísticos que ya eran patente en su obra. A ello se habrá de añadir la aportación de materiales nuevos también en la conducta del escultor, y la sorpresa visual y táctil, de formato, que éstos aportarán. Así, esta pareja de 'Meninas' es, más que nunca, una pareja de hecho: la una, femenina por su condición, la otra, bueno la otra, otra cosa, también por su condición, transcolocada; por ser hija de su tiempo, transgenerada y, finalmente, transparentada a través de la mirada 'festiva' del escultor.

Que hayan atravesado juntas la ventana del tiempo no obedece a razón mayor que la pureza de acción del escultor ajustándose, a su vez, al guión trazado por 'la historia del arte'. Pareja ésta, unida por la pintura, la historia, la memoria pero también, y al tiempo, por el 'desmelenamiento', es decir, aquella pulsión sutil que de su obra ya trazada el escultor la dota. ¿Qué pensaban?, ¿barruntaban otra cosa?, vaya, que sí: definitivamente, a una señora, aún 'menina', se la reconocerá, siempre, por el estilo y la gracia en su magnífico 'peinado'. De lo otro, allá cada cual con su 'color', con su 'olor', con su 'loor', que para eso son éstos nuevos y deseemos que mejorados tiempos. Así lo espero.

octubre,2005

* Javier Cabrera (LPGC, 1953). Crítico de arte y curador de exposiciones independiente. Las últimas exposiciones que ha curado han sido: Antonio Padrón: el pintor dentro de su imagen, Monográfica. Casa-Museo Antonio Padrón, Gáldar, Gran Canaria, 2004/05 y Otra vuelta por los Trópicos, Colectiva de artistas y escritores. Espacio Ámbito Cultural, LPGC, 2005. Sus últimas colaboraciones con artistas plásticos han sido: ...es el último en irse, María Castro. CIC el Almacén, Arrecife, Cabildo de Lanzarote, 2004 y Vega, Retrospectiva, 1965-2005. CICCA, LPGC, 2005. Asimismo, ha participado en últimos proyectos expositivos producidos en Canarias: Espejos del poema. Arte y Poesía. Ateneo de La Laguna, Tenerife, 2004 y Meridiart 2005. Colectiva de Arte y Literatura. Cabildo del Hierro/ Editorial Puentepalo, LPGC. Isla del Hierro, 2005.

Máximo Riol

2005-10-23T21:12:00.000+01:00

Máximo Riol escultor nacido en Lorca, Murcia (1948), se traslada a residir a la capital Gran Canaria en 1961 donde reside actualmente. Fue alumno de Felo Monzón en la Escuela Luján Pérez (1963-1965), influencia que le ha marcado a lo largo de su trayectoria artística.

Máximo con Juan Marqúes en la inauguración de LUROA

Es Arquitecto Técnico por la Universidad de La Laguna (1975) y actualmente trabaja como Catedrático de Dibujo Lineal y Perspectiva de la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Las Palmas de Gran Canaria.

Ha participado en innumerables exposiciones, tanto individuales como colectivas. Su obra se encuentra dispersa por la geografía española y en varios países americanos, tanto en hormigón como en acero. Poseedor de numerosos premios, su obra ha sido objeto de estudio y análisis por una extensa nomina de críticos.

Enlaces en Luroa Arte en Canarias:

AH PERO... ¿TENÍAN LAS MENINAS INTENCIÓN DE OCULTAR ALGO?

Enlaces en Luroa Galería de Arte:

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Juan Marqués

2005-10-12T23:12:00.001+01:00

Juan Marqués nace en Palma de Mallorca en 1948, reside en las Palmas desde 1964.

Funda los grupos: Taller (1980) y Espiral (1990).

Bernardo y Juan Marques en la inauguración de la galería

Participa en numerosas exposiciones colectivas en distintos ámbitos regionales, nacionales e internacionales, y hay obra suya en distintas coleciones de arte en España, Portugal, Alemania, EE.UU., Argentina y Venezuela.

Se han publicado artículos y críticas en A B C,Espiral de las Artes, Última hora de Palma, Diario de las Palmas, La Provincia, Canarias 7, Arteguia, Anarda, y en las Encipcopedias: Nacional de Arte y Baleares.

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